B. Buffet - Bouquet de marguerites (1957)

La veillée du dimanche. Deux œuvres du peintre et graveur Bernard Buffet (1928-1999), associé à l'expressionnisme, que Maurice Druon appelait 

« le peintre tragique de la condition humaine ».

Son style anguleux, austère et immédiatement reconnaissable lui vaut un succès fulgurant après-guerre, avant de traverser une longue période de rejet critique. En 1943, à quinze ans, il réussit le concours d’entrée à l’École des Beaux-Arts de Paris et intègre l’atelier d’Eugène Narbonne. Il a à peine vingt ans lorsqu’il connaît déjà une immense célébrité. « Ce garçon fait à vingt ans ce que je voudrais faire à mon âge », dira un jour André Derain.

B. B. - Saule pleureur sur la rivière (1961)

Buffet sera aussi membre du groupe de l’Homme Témoin, fondé en 1948 par de jeunes peintres français désireux de défendre un réalisme social expressif face à l’abstraction triomphante.

« La peinture, disait-il, est un cri. » 

Ses toiles sombres, peuplées de figures décharnées, portent la trace des ruines de la guerre. Céline, en 1952, envisage même de lui confier l’illustration d’une édition de luxe du Voyage au bout de la nuit, un projet qui ne verra finalement jamais le jour.

Je ne suis pas moi-même très friand de ses clowns tristes ni de ses paysages dépressifs – question de goût. Mais j’aime certains tableaux, comme la plupart de ses marines, quelques vues de Paris, et bien sûr ceux que je présente ici aujourd’hui.

 © Veilleur de Nuit – 2016

PF10

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Jules Aarons - Paris (1950s)

La veillée du dimanche. Deux clichés du physicien et photographe américain Jules Aarons (1921-2008). Né dans le Bronx, il étudie la physique au City College de New York, puis à l’Université de Boston, avant de soutenir sa thèse de doctorat à Paris en 1953. En parallèle, il devient un expert reconnu de la propagation des ondes radio dans l’ionosphère et construit une œuvre photographique attentive aux passants anonymes, aux gestes et aux visages ordinaires du quotidien urbain. Son usage de la lumière naturelle et ses cadrages instinctifs produisent une photographie très spontanée.

J.A. - Lounging, Brooklyn (1950)

Contrairement à d'autres photographes de rue de son époque qui documentent la misère ou la détresse, il préfère montrer la dignité et l’élan des communautés qu'il photographie : des enfants qui jouent, des adultes qui discutent sur les trottoirs, des scènes de marché… Un regard proche du réalisme humaniste.

Ses images font aujourd’hui partie des collections permanentes de grandes institutions comme la Bibliothèque nationale de France, le Museum of Fine Arts de Boston et le MoMA de New York. Elles dessinent le portrait d’une Amérique populaire d’après-guerre, faite de vie de quartier et de liens communautaires, et conservent la trace de lieux aujourd’hui disparus ou profondément transformés.

 © Veilleur de Nuit – 2016

MD3

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Rembrandt - Adam et Eve au Paradis (1638)

Une image et des mots. La représentation du bien et du mal dans cette gravure de Rembrandt peut paraître surprenante : aux côtés d'Adam et Eve, dans les moments qui précèdent leur chute, il y a un dragon - image emphatique du serpent -, mais c'est un éléphant qui vient symboliser l'innocence et la chasteté. Il y a une explication.

Le "modèle" de Rembrandt, qui n'est jamais sorti de son pays, s'appelait Hansken. Cette éléphante d'Asie avait été introduite aux Pays-Bas où elle est devenue une attraction extrêmement populaire. Représentée au moins trois fois dans l'oeuvre de Rembrandt, elle a voyagé à pied en Europe du Danemark à l'Italie, et fut le premier éléphant d'Asie a être étudié par la science occidentale.

Les mots sont extraits du Tour du monde d'un sceptique, d'Aldous Huxley (1926).

Quand il (l'éléphant) émergea de l'enceinte du palais - j'évoque cet incident trivial et par trop banal parce qu'il suscita en moi des réflexions mélancoliques sur le cosmos - notre mastodonte s'arrêta et, avec sa gravité ordinaire, se soulagea monstrueusement. L'opération terminée, il avait à peine repris sa marche, qu'une vieille femme qui était restée plantée, dans l'expectative, à la porte d'une masure au milieu des ruines, et nous nous demandions pourquoi, se précipita d'un bond sur le tas d'excréments fumants. Il y avait là, je suppose, de quoi alimenter son feu pour la cuisine de toute une semaine. [.....]

Notre tremblement de terre reprit ses embardées. Je songeai aux douzaines de millions d'êtres humains pour lesquels le passage d'un éléphant diarrhéique semble un don de Dieu, un prodigieux coup de fortune. Cette idée me déprima. Pourquoi sommes-nous ici dix-huit cents millions d'hommes et de femmes, sur cette planète remarquable et peut-être unique? À quelle fin? Est-ce pour aller à la recherche du fumier - bouse de vache, crottin de cheval, excréments énormes et princiers des éléphants? C'est évidemment cela, pour bon nombre d'entre nous du moins. C'était là, pensai-je, une raison qui semblait mal appropriée à notre présence ici-bas, nous, âmes immortelles, cousins germains des anges, les propres frères de Bouddha, de Mozart, et de Sir Isaac Newton.

RN1

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A. Castro - Rien n'intéresse l'homme... (2015)

La veillée du dimanche. Deux œuvres du photographe conceptuel italien Alberto Castro (b.1973). Après des études en architecture à l'Université de Leeds puis à l'Université Polytechnique de Barcelone, il s'initie à la photographie en autodidacte pour aller, dit-il, 

« à la recherche de la poésie qui nous entoure, en se concentrant sur le passage du temps et plus précisément sur le sens de l’éphémère et les transformations continues dont la vie de l’homme est parsemée ».

C’est cette idée qu’il cherche à exprimer dans sa série Rien n’intéresse l’homme plus que l’homme, à laquelle appartient le premier cliché.

A. C. - Numéro 4 (2014)

« L’homme d’aujourd’hui ingurgite des images et des informations en quantité massive, dont la plupart s’estompent et deviennent invisibles immédiatement après leur transmission, entraînant avec elles l’homme et son intérêt pour l’homme. »

Je sais bien que, dans l’art conceptuel, l’idée est censée primer sur la forme. Mais ici, c’est beaucoup plus simplement le plaisir esthétique – cette notion bourgeoise dont Adorno se méfiait tant – qui a dicté mon choix. Pour les mêmes raisons, j’aime beaucoup sa série Il suono del silenzio, référence à la chanson de Simon & Garfunkel, réalisée en 2011 à Lucques, en Toscane.

 © Veilleur de Nuit – 2016

PG6

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T. Hillier - The fisherman's chapel (1938)

La veillée du dimanche. Deux œuvres de l'anglais Tristram Paul Hillier (1905-1983), membre du groupe d'artistes modernistes Unit One, actif de 1933 à 1935 et mené par le peintre Paul Nash. Formé à la Slade School of Fine Arts de Londres et aux cours du soir de la Westminster School of Art, il part ensuite à Paris, où il vivra jusqu'en 1940.

T.H. - Flooded meadow (1949)

Il y suit à l'Académie Colarossi l'enseignement d'André Lhote – qui fera bientôt l'objet d'une publication – et fréquente les cercles surréalistes. Giorgio de Chirico et Max Ernst vont particulièrement l'influencer.

Mais la peinture de Tristram Hillier n’est troublante que de manière imperceptible, par une perspective inattendue ou à la présence légèrement incongrue d’un objet abandonné, souvent chargé de symboles. De cette tension subtile naît un sentiment singulier de calme et de solitude, comme si le peintre nous invitait à la contemplation d’un univers à la fois familier et mystérieux.

 © Veilleur de Nuit – 2016

CH1

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F. Stein - Hole in the fence (1946)

La veillée du dimanche. Deux clichés du photographe allemand Alfred Stein (1909-1967).

Fils de rabbin né à Dresde, il y rejoint à seize ans les Jeunesses Socialistes. Sa thèse de doctorat en droit, soutenue à l'Université de Leipzig, est rejetée par les nazis en raison de ses origines juives et de son engagement politique. En 1933, il se réfugie avec sa jeune épouse à Paris.

Il y transforme sa passion pour la photographie en métier, et ses clichés de la capitale française dans les années 1930 – où il documente notamment les grèves et le Front populaire – commencent à le faire connaître.

F. Stein - NYC (1946)

Lorsque la guerre éclate, en 1939, il est interné dans un camp de la région parisienne, mais parvient à s’en échapper.

Parvenu à Marseille, il embarque sur un paquebot pour New York, où il poursuit son travail photographique, d’abord comme photographe de rue, fasciné par le cosmopolitisme de la Big Apple, puis comme portraitiste d’intellectuels – Albert Einstein, Thomas Mann, Hannah Arendt… Pour chacun, il s’impose de connaître l’œuvre. « Lorsque je croise quelqu’un, j’ai envie de connaître son histoire. »

 © Veilleur de Nuit – 2016

MJ1

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Maynard Dixon - Forgotten man (1934)

Une image et des mots. L'image, ce tableau du californien Maynard Dixon. Les mots sont extraits d'un des livres qui, tous genres confondus, m'ont le plus profondément et durablement marqué.

"[.....] Est-ce que tout ne tournait pas remarquablement mal ? Et de tous les côtés ! Un article en trois parties allait échouer pour le simple motif que je n'avais pas dans ma poche un bout de crayon de dix öre !

Et si je redescendais rue des Saules pour me faire rendre mon crayon ?

Il me resterait encore le temps d'achever un bon morceau avant que le Parc fût rempli de promeneurs. Et puis tant de choses dépendaient de ce Traité de la connaissance philosophique, peut-être le bonheur de plusieurs hommes, on ne sait jamais."  Knut Hamsun, La faim (1890).

TR1

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