Andrea Solari - Salomé (détail)

La veillée du dimanche. Ce blog est un vrai bazar.

On y passe d'un peintre danois à un photographe cubain, d'une gravure japonaise à un paysage anglais.

Pourquoi certaines images nous retiennent-elles ? Pourquoi peut-on aimer aussi bien les préraphaélites que les peintres de Skagen ou ceux de la Nouvelle Objectivité ? Les raisons qui nous font aimer une œuvre sont sans doute aussi nombreuses que les œuvres elles-mêmes.

Bien sûr, il y a d'abord le plaisir esthétique. C'est ce qui nous arrête dans notre déambulation au musée : une couleur, une lumière, un visage, une composition. Quelque chose nous plaît, parfois immédiatement, sans qu'on sache toujours très bien pourquoi.

Il arrive aussi qu'une œuvre évoque un souvenir, nous ramène à un lieu, à une rencontre, à un moment de notre vie parfois presque oublié.

D'autres fois, c'est la curiosité qui nous retient. L'image nous apprend quelque chose sur une époque, un pays, une manière de vivre. Elle nous donne à voir des gens et des réalités que nous connaissons mal. Pour moi, cette dimension documentaire peut compter pour beaucoup dans le plaisir que je prends à regarder une œuvre, en peinture comme en photographie.

W.B. - Le lever (détail)

Ou bien l'œuvre suscite une question, nous amène à réfléchir, ouvre une porte sur quelque chose que nous n'avions pas envisagé.

Ces raisons sont multiples et peuvent se combiner. Ainsi, on peut à la fois aimer un tableau pour sa beauté, pour ce qu'il nous apprend d'une époque ou d'un mode de vie, pour l'émotion qu'il suscite ou les questions qu'il soulève. On peut aussi être sensible à une manière de peindre, à une vision du monde.

Aimer une œuvre, ce n'est pas toujours aimer la même chose en elle.

Et on est peut-être toujours un peu seul face à elle, tant les raisons qui font qu'elle nous accroche peuvent être multiples, parfois très personnelles, intimes même, ou tout simplement incommunicables, parce que nous-mêmes avons du mal à les identifier. « Les œuvres d'art sont d'une infinie solitude », disait Rilke. Et cette solitude n'est pas seulement celle de l'artiste.

Certaines œuvres nous fascinent à un point tel qu'on se plonge en elles jusqu'à en examiner le moindre détail. C'est vrai pour la peinture, bien sûr, mais aussi pour le cinéma ou la musique. Mieux encore, il arrive qu'on aille y chercher ce qu'elles ne nous montrent pas, ce qui relève de l'invisible, ce qu'elles cachent " derrière ". « La poésie est un monde à l'arrière du monde », écrit Jón Kalman Stefánsson dans La Tristesse des anges.

Et puis, parfois, c'est au contraire un détail qui nous arrête et nous amène à découvrir l'œuvre dans son ensemble : un vers dans un poème, un motif de quelques notes dans un morceau, ou, dans un tableau, un objet, une attitude, un élément du décor, un personnage à peine visible. Quelque chose dont nous ne parvenons plus à détacher notre regard. Pourquoi celui-là plutôt qu'un autre ?

Mais au fond, est-ce bien important, s'il suffit qu'une œuvre nous arrête un instant pour que soudain le monde soit simplement plus beau…

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R.Davis - Storm doors (2011)

La veillée du dimanche. Deux œuvres du peintre photoréaliste Richard Thomas Davis (b.1947). Né dans l'État de New York, Richard Davis s'est installé au Canada avec son épouse en 1968. Après avoir vécu une quinzaine d'années à Vancouver, ils ont rejoint la Nouvelle-Écosse, où il vit et travaille toujours.

Il a étudié pendant un an à la Pennsylvania Academy of Fine Arts de Philadelphie, mais se considère essentiellement comme autodidacte. Il commence sa carrière de peintre à Vancouver, au milieu des années 1970, et expose ensuite principalement aux États-Unis, avant de revenir présenter son travail au Canada en 2010.

R.D. - Cold front (1976)

Il explique que la beauté des choses les plus banales est au cœur de son travail. Il cherche à leur donner de l'importance par la précision de sa peinture, mais aussi à saisir ce qu'elles ont à nous dire. Il se définit d'ailleurs comme un traducteur plutôt que comme un conteur : les histoires qui l'intéressent sont celles que les choses lui racontent.

Richard Thomas Davis s'intéresse à la Renaissance et à la manière dont ses artistes ont pu utiliser la géométrie pour construire leurs œuvres.

C'est ce dont témoigne en particulier Cold front, que j'aime beaucoup pour sa composition, mais aussi pour son atmosphère ; il en raconte ICI l'histoire.

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Anna Park - Untitled

Une image et des mots. Une œuvre de l'artiste américaine d'origine sud-coréenne Anna Park.

Et pour aller avec, quelques lignes de Kropotkine, extraites de La morale anarchiste (1889).

Le mensonge devient vertu ; la platitude, un devoir. S'enrichir, jouir du moment, épuiser son intelligence, son ardeur, son énergie, n'importe comment, devient le mot d'ordre des classes aisées, aussi bien que de la multitude des pauvres gens dont l'idéal est de paraître bourgeois. Alors la dépravation des gouvernants – du juge, du clergé et des classes plus ou moins aisées – devient si révoltante que l'autre oscillation du pendule commence.

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R.S. - Hand on subway window, NYC (1984)

La veillée du dimanche. Deux clichés du photographe américain Richard Sandler (b.1946). Né à New York, dans le quartier de Forest Hills, Richard Sandler a eu un parcours plutôt inattendu. Installé à Boston en 1968, il travaille d'abord comme acupuncteur et s'intéresse à la macrobiotique, avant de découvrir la photographie en 1977.

Une amie lui offre alors un Leica et lui apprend à développer ses films dans sa chambre noire. C'est une révélation. Il suit peu après un atelier de quelques jours avec le photographe Garry Winogrand, dont il dira qu'il lui a appris tout ce qu'il avait besoin de savoir.

R.S. - Woman on train, NYC

Il commence à photographier les rues de Boston, puis revient à New York en 1980, où il travaille notamment pour le New York Times. Pendant une quinzaine d'années, il arpente la ville avec son Leica.

Il aime les photographies spontanées, non posées, qui laissent une place à l'imagination. « Je préfère les images qui posent plus de questions qu'elles n'apportent de réponses ». Ce qu'il dit chercher, c'est à saisir un instant avant d'avoir eu le temps d'y réfléchir. Il accorde aussi beaucoup d'importance à la composition et à ce qui se passe aux bords de l'image, plutôt qu'à placer systématiquement le sujet au centre.

En 2016, il publie The Eyes of the City, un livre qui rassemble ses photographies de Boston et de New York réalisées entre 1977 et 2001. Ces deux photos en font partie. Le titre lui est venu en découvrant, au moment de préparer l'ouvrage, combien de personnes photographiées le regardaient. Il pensait souvent passer inaperçu, mais s'est aperçu que les passants le regardaient autant qu'il les regardait. Les yeux de la ville, ce sont donc aussi bien ceux de ses habitants que ceux du photographe.

À partir de la fin des années 1990, Sandler se tourne davantage vers le cinéma documentaire. Il réalise notamment The Gods of Times Square, consacré aux prédicateurs et aux marginaux qui fréquentent ce lieu emblématique de New York. Il vit aujourd'hui dans la vallée de l'Hudson, au nord de la ville, et continue de photographier, notamment des paysages.

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A.D. - La tasse de thé (1935)

La veillée du dimanche. Deux œuvres du peintre français André Derain (1880-1954), figure majeure du fauvisme, un mouvement déjà évoqué ici à travers Vlaminck (voir décembre 2012), Van Dongen (voir avril 2017) et Raoul Dufy (voir août 2018). Avec Henri Matisse et Maurice de Vlaminck, Derain participe à cette aventure picturale qui, au début du XXe siècle, donne à la couleur une liberté nouvelle.

Né à Chatou, près de Paris, André Derain se forme à l’Académie Camillo puis à l’Académie Julian, où il rencontre notamment Maurice de Vlaminck. Sa rencontre avec Henri Matisse, en 1905, est décisive. Ensemble, ils contribuent à l’émergence du fauvisme, dont l’exposition au Salon d’Automne de la même année suscite de vives réactions. Après cette période fauve, Derain évolue vers une peinture plus classique, nourrie par son admiration pour les maîtres anciens.

A.D. - Aux alentours de Chatou (1905)

Le Paysage aux alentours de Chatou (1905) appartient pleinement à cette période fauve : les couleurs y sont flamboyantes, presque irréelles ; elles s’affranchissent du réel pour devenir un moyen d’expression. À l’inverse, La Tasse de thé (1935) montre un Derain bien différent, qui revient à une peinture plus sobre et plus proche de la tradition. C’est celle qui me plaît davantage.

Je l’avoue : le fauvisme n’est pas un mouvement qui me touche particulièrement. Mais cela n’empêche pas certaines œuvres de me plaire ; derrière un mouvement artistique, il y a toujours des personnalités, des sensibilités et des chemins très différents. Ces deux tableaux en sont une illustration : ils m’ont suffisamment plu pour me donner envie de les partager.

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Piero Vivarelli - Oggi a Berlino (1962)

Une image et des mots. Cette image, qui nous montre des Allemands face à d'autres Allemands, est un photogramme du film de Piero Vivarelli, Oggi a Berlino (1962).

Et pour aller avec, quelques lignes de Bernanos, extraites de Les grands cimetières sous la lune (1938).

C’est vrai que la colère des imbéciles remplit le monde. Vous pouvez rire si vous voulez, elle n’épargnera rien, ni personne, elle est incapable de pardon. Évidemment les doctrinaires de droite ou de gauche, dont c’est le métier, continueront de classer les imbéciles, en dénombreront les espèces et les genres, définiront chaque groupe selon les passions, les intérêts des individus qui le composent, leur idéologie particulière.
Pour de tels gens cela n’est qu’un jeu. Mais ces classifications répondent si peu à la réalité que l’usage en réduit impitoyablement le nombre. Il est clair que la multiplication des partis flatte d’abord la vanité des imbéciles.

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P. Fisher - Dans un tramway (1922)

La veillée du dimanche. Deux œuvres du peintre danois Paul Gustav Fischer (1860-1934), qui a consacré une grande partie de sa carrière à la vie quotidienne de Copenhague.

Né dans une famille de peintres, il se forme à l’Académie royale des beaux-arts de Copenhague, qu’il quitte après deux ans. Il travaille ensuite quelque temps dans l’entreprise de peinture de son père, tout en poursuivant sa propre activité artistique. Il dessine aussi pour des journaux et des revues, avant de se faire connaître par ses scènes de rue, ses portraits et ses représentations de la vie urbaine.

Fischer peint une ville vivante, avec ses rues, ses tramways, ses passants et ses petits événements du quotidien. Il s’intéresse à la foule comme aux scènes plus intimes, sans chercher nécessairement le pittoresque ou l’anecdote.

P.F. - L'Anniversaire (1905)

J'aime beaucoup son travail et, ici encore, j'ai eu du mal à choisir les deux tableaux qui allaient illustrer cette chronique.

Ils témoignent d’une époque où la ville se transforme, où les déplacements et les habitudes changent, et où la vie moderne devient un sujet de peinture à part entière.

C’est ce que suggèrent les deux œuvres que j’ai choisies : Dans un tramway à la gare de Nørreport (1927) et L’Anniversaire (1905). L’une nous place dans le mouvement de la ville (le tramway et ses voyageurs reviennent régulièrement dans ses tableaux), l’autre dans un moment de la vie privée. Deux situations différentes, deux instants ordinaires qui, mis en peinture, témoignent d’une certaine façon de vivre.

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E.H. - British Museum tube station (1937)

La veillée du dimanche. Deux photographies du photographe allemand naturalisé britannique Emil Otto Hoppé (1878-1972), l’une des grandes figures de la photographie du début du XXᵉ siècle.

Né à Munich dans une famille de banquiers, Hoppé s’installe à Londres en 1900. Il abandonne progressivement la carrière financière à laquelle il se destinait pour se consacrer à la photographie. Son studio, ouvert en 1907, lui apporte rapidement une grande notoriété, notamment grâce à ses portraits d’écrivains, d’artistes et de personnalités de son temps. Mais son intérêt ne se limite pas aux visages : il photographie aussi les rues, les paysages industriels et les grandes constructions qui transforment le monde moderne.

E.H. - Delaware Bridge, Philadelphia (1926)

Ponts, usines, installations portuaires ou infrastructures urbaines deviennent sous son objectif des sujets à part entière, pour leurs formes autant que pour leur fonction. Une autre de ses photographies, King George V’s Docks, London (1934), aurait peut-être été plus pertinente encore pour illustrer cet intérêt pour les formes et les possibilités plastiques des constructions modernes. Mais j’ai finalement choisi ces deux images qui témoignent elles aussi de cette manière de transformer des lieux fonctionnels en sujets photographiques.

La station du British Museum, fermée au public depuis 1933, est déjà devenue un vestige du réseau souterrain londonien lorsque Hoppé la photographie. Le pont de Philadelphie et cette station de métro nous montrent deux constructions très différentes, mais qui offrent l’une comme l’autre au photographe un jeu de lignes, de volumes et de perspectives.

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A.M. - Notre-Dame, soleil (1904)

La veillée du dimanche. Déjà présenté en juillet 2016, voici, avec deux nouvelles toiles – encore une fois bien difficiles à choisir –, un de mes peintres préférés : Albert Marquet (1875-1947).

J’aime énormément cette peinture dépouillée, qui va à l’essentiel sans que rien pourtant ne semble inachevé, sans que rien ne manque. Quelques lignes, des formes simples, des silhouettes humaines réduites à quelques touches sombres dans le paysage, des couleurs souvent assourdies : il lui en faut peu pour construire un tableau, en restituer la lumière et l’atmosphère.

A.M. - Sables d'Olonne (1938)

Tout est à sa place, sans effort apparent, comme si Marquet avait su trouver, dans chaque motif, la juste mesure entre la simplicité des formes et la richesse de ce qu’elles nous donnent à voir.

C’est autant cette économie de moyens que la beauté de ses compositions qui me plaît tant chez Albert Marquet : l’harmonie des lignes, l’équilibre des formes et le choix de couleurs retenues, jamais agressives. Une peinture qui simplifie le monde sans l’appauvrir, et dont je ne me lasse pas.

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A.L. - Peninsula Hotel, Chicago, IL (2009)

Une image et des mots. Une photo d'Annie Leibovitz, et quelques lignes de Simone Weil, extraites de Note sur la suppression des partis politiques (dans Écrits de Londres et dernières lettres, 1957).

L’attention véritable est un état tellement difficile à l’homme, tellement violent, que tout trouble personnel de la sensibilité suffit à y faire obstacle. Il en résulte l’obligation impérieuse de protéger autant qu’on peut la faculté de discernement qu’on porte en soi-même contre le tumulte des espérances et des craintes personnelles.

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E. Gordon - Wind from the sea (1965)

La veillée du dimanche. « Vous ne pouvez pas inviter le vent, mais vous devez laisser la fenêtre ouverte », dit Krishnamurti. Deux œuvres de l'américain Edward Gordon (b.1940), peintre scrupuleux de fenêtres et de vent. Largement autodidacte, Gordon a longtemps exercé le métier de comptable avant de se consacrer à la peinture, au début des années 1980. Le rendu méticuleux des textures, le soin extrême apporté aux nuances du ciel et de la mer – toujours présente chez ce natif d’Ocean City, dans le New Jersey – donnent à ses toiles un aspect presque photographique.

« My goal is to make paintings so realistic that viewers are drawn into the imagery space...» 

E.G. - Music room, Ocean City, NJ (1965)

Mais ce qui m’en reste surtout, c’est un étrange sentiment de paix, malgré les horizons parfois menaçants.

L'homme, à ma connaissance en tout cas, n'est jamais représenté dans les pièces impeccables de ses belles villas côtières. Mais on appréciera le bon goût de celle ou celui qui a accroché aux murs de cette élégante demeure – il semble, aux motifs de la balustrade, qu'il s'agisse de la même –, deux chefs-d'œuvre de Vermeer.

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C.R. - Les forces de l'âme (1976)

Une image et des mots. Le cliché, pris à Puente Genil en Espagne, est de Cristina García Rodero.

Les mots pour aller avec sont de l'écrivain anarchiste mexicain de langue allemande B. Traven, auteur entre autres du Trésor de la Sierra Madre porté à l'écran par John Huston.

Nul dieu ne t'aidera, nul programme, nul parti, nul bulletin de vote, nulle masse, nulle unité. Je suis le seul capable de m'aider. Et c'est en moi-même que j'aiderai tous les hommes dont les larmes débordent.

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E.L. - Les travaux aux champs (1918)

La veillée du dimanche. Deux œuvres du peintre belge Eugène Laermans (1864-1940). J’ai eu plusieurs fois l’occasion de dire ici mon attachement au monde paysan. Je suis donc sensible à la peinture de Laermans, qui lui a consacré une grande partie de son œuvre, comme aux ouvriers et aux gens modestes de son époque.

Né à Molenbeek-Saint-Jean, près de Bruxelles, Laermans se forme à l’Académie de Bruxelles auprès de Jean-François Portaels. Ses premières œuvres sont encore influencées par le symbolisme et la littérature, notamment par Baudelaire, dont il illustre Les Fleurs du mal. Mais, à partir des années 1890, il se tourne vers les hommes et les femmes qu’il voit autour de lui. Ses paysans et ses ouvriers sont souvent représentés en groupes, avec des silhouettes simplifiées, très dessinées, qui donnent à ses tableaux une force particulière.

E.L. - Les Paysans (1903)

On pense à Bruegel, mais Laermans ne se contente pas de l'imiter.

Ce qui me plaît chez lui, c’est qu’il ne cherche pas à idéaliser le monde rural. Ses paysans sont là pour travailler, marcher, attendre, vivre. Il y a quelque chose de très concret dans ces scènes, même si les personnages prennent parfois une allure presque monumentale.

Dans Les Paysans, peint en 1903, comme dans Les Travaux aux champs, quinze ans plus tard, on retrouve cette attention au travail de la terre et à ceux qui l’accomplissent. Le temps a passé, mais Laermans n’a pas changé de sujet.

À onze ans, une méningite l'avait rendu sourd et presque muet. Des années plus tard, sa vue commence elle aussi à se dégrader, jusqu’à l’obliger à cesser de peindre en 1924.

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H.W. - California (1969)

La veillée du dimanche. Deux clichés du photographe américain Henry Wessel (1942-2018), qui donnent, je crois, une assez bonne idée de sa manière de photographier : regarder autour de soi, accepter ce que le hasard propose. Wessel découvre la photographie presque par hasard alors qu’il étudie la psychologie à l’université de Pennsylvanie.

Un livre trouvé dans une librairie, The Photographer’s Eye, catalogue d’une exposition du MoMA, lui fait découvrir Atget, Robert Frank, Lee Friedlander, Wright Morris et Garry Winogrand. Il commence à photographier sérieusement en 1967. En 1971, une bourse Guggenheim lui permet de parcourir les routes américaines pour photographier les paysages qui les bordent. 

Wessel photographie beaucoup depuis sa voiture. Il raconte qu’en roulant, une scène lui apparaît d’une certaine manière et qu’elle change complètement s’il s’arrête pour sortir et la regarder. Il prend donc souvent la photographie depuis le siège du conducteur, au moment même où quelque chose attire son attention.

« Je photographie tout ce qui attire mon regard. »

Cette façon de travailler donne à ses photographies quelque chose de très spontané.

Le SFMOMA décrit ses premières images comme des jeux entre le sujet et le vide, souvent construits autour d’un élément central – un panneau, un poteau, un arbre. California, 1969 en est un bon exemple.

H.W. - Oakland, CA (1970)

Avec Oakland, California, 1970, le point de vue depuis l’habitacle fait partie de l’image. La photographie est penchée, comme si Wessel avait déclenché dans l’instant, sans prendre le temps de mettre l’appareil à l’horizontale. « L’innocence est la quintessence de l’instantané », écrivait Lisette Model (voir août 2013). Wessel avait fait sienne cette idée, en prenant soin de distinguer l’innocence de l’ignorance : « Je souhaite faire la distinction entre l’innocence et l’ignorance. L’innocence est l’une des formes les plus élevées d’être et l’ignorance, l’une des formes les plus basses. »

Henry Wessel participe en 1975 à New Topographics, l’exposition qui remet en question la manière traditionnelle de photographier le paysage américain.

Pendant une grande partie de sa carrière, il travaille avec le même Leica 35 mm équipé d’un objectif de 28 mm et du film Kodak Tri-X. Il enseigne parallèlement au San Francisco Art Institute de 1973 à 2014.

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G. Little - Black necklace (2014)

La veillée du dimanche. Deux œuvres postmodernes, empreintes d’un romantisme discret, réalisées à la gouache et aux crayons de couleur par l’Écossais Graham Little (né en 1972), peintre de la beauté, de l’intimité et de la solitude. Ses compositions sont d’une minutie presque obsessionnelle ; on dit qu’il passe des mois à réaliser chacune de ses œuvres.

Diplômé en beaux-arts du Duncan of Jordanstone College de Dundee et du Goldsmiths College de Londres, il vit et travaille aujourd'hui à Londres.

G.L. - Sleeping (2014)

Inspirées par les magazines de mode des années 1970 et 1980 – Vogue, Harper’s Bazaar ou Burda Moden –, ses tableaux mettent souvent en scène des figures féminines à l’air las ou lointain, absorbées dans des tâches quotidiennes ou bien comme ici perdues dans la rêverie. Des récits où il semble que passé et présent se superposent, pour créer une atmosphère un peu énigmatique et délicatement poétique.

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Jiří Horák - Brno  (1984)

Une image et des mots. Un cliché du photographe tchèque Jiří Horák (b.1940), The Rythm of empty houses, et quelques lignes de Colette, extraites de La retraite sentimentale (1900).

– Vous ne savez pas, vous, ce que c'est que l'envie de partir ?
– Heu... il y aurait bien à dire là-dessus, et il serait peut-être excessif de prétendre que je ne souhaite pas, à de certaines heures... y aller de mon petit voyage...
– Ne riez pas ! Je voudrais que vous me compreniez. L'envie de partir... il y a un tas de gens qui ne se doutent pas de ce que c'est. C'est une maladie, un empoisonnement ; ce n'est même pas une idée. [...] Pendant que je mange, pendant que je dors ou que je brode, j'ai là, ici, tout autour, cette chose qui me tire obstinément.

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Rainer Arend - Held (2011)

La veillée du dimanche. Deux clichés du photographe allemand Rainer Arend, découvert un peu par hasard, et dont je ne sais rien sinon qu'il est allemand. Lorsqu'on lui demande quel genre de personne il est, il emprunte sa réponse à Bob Dylan : « Ich bin ein Anderer », ("je suis un autre"). 

R.A. - Fall nicht ... (2014)

C'était déjà suffisant pour susciter mon intérêt, et je ne regrette pas d'avoir voulu découvrir un peu plus de son travail.

J'ai même eu du mal à faire mon choix parmi tous les clichés que j'ai parcourus [ICI], souvent d'une tonalité expressionniste assez envoûtante, et aux titres parfois énigmatiques, comme ce cliché intitulé « Fall nicht durch die Zeit », (« Ne tombe pas à travers le temps »).

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L-J. Collin - Matin (1884)

Une image et des mots. Une oeuvre de l'académique Raphaël Collin (1850-1916), et quelques vers d'Alexandre Vialatte.

Tout va, tout vient, chante et s’envole

Comme le baladin,

Les jours, les mois, ton cœur frivole,

Ton jupon blanc, ta tête folle,

Et la paix des jardins.

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Luigia Pansera - Solitude (2009)

La veillée du dimanche. Deux clichés de Luigia Pansera, photographe et vidéaste italienne qui s'est spécialisée avec son époux Giuseppe Colonese dans le documentaire nuptial.

L.P. - Milk #3, Epilogue (2009)

Après des études en communication et au DAMS, elle cofonde avec lui la société Evergreen Films - voir ICI -, qui a pour objet de documenter de belles histoires d'amour aux quatre coins du monde.

Je connais peu son travail photographique mené en parallèle de son activité commerciale, mais je suis tombé sur ces deux images, au caractère assez conceptuel, qui m'ont suffisamment plu pour avoir envie de les partager ici.

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