A.D. - La tasse de thé (1935)

La veillée du dimanche. Deux œuvres du peintre français André Derain (1880-1954), figure majeure du fauvisme, un mouvement déjà évoqué ici à travers Vlaminck (voir décembre 2012), Van Dongen (voir avril 2017) et Raoul Dufy (voir août 2018). Avec Henri Matisse et Maurice de Vlaminck, Derain participe à cette aventure picturale qui, au début du XXe siècle, donne à la couleur une liberté nouvelle.

Né à Chatou, près de Paris, André Derain se forme à l’Académie Camillo puis à l’Académie Julian, où il rencontre notamment Maurice de Vlaminck. Sa rencontre avec Henri Matisse, en 1905, est décisive. Ensemble, ils contribuent à l’émergence du fauvisme, dont l’exposition au Salon d’Automne de la même année suscite de vives réactions. Après cette période fauve, Derain évolue vers une peinture plus classique, nourrie par son admiration pour les maîtres anciens.

A.D. - Aux alentours de Chatou (1905)

Le Paysage aux alentours de Chatou (1905) appartient pleinement à cette période fauve : les couleurs y sont flamboyantes, presque irréelles ; elles s’affranchissent du réel pour devenir un moyen d’expression. À l’inverse, La Tasse de thé (1935) montre un Derain bien différent, qui revient à une peinture plus sobre et plus proche de la tradition. C’est celle qui me plaît davantage.

Je l’avoue : le fauvisme n’est pas un mouvement qui me touche particulièrement. Mais cela n’empêche pas certaines œuvres de me plaire ; derrière un mouvement artistique, il y a toujours des personnalités, des sensibilités et des chemins très différents. Ces deux tableaux en sont une illustration : ils m’ont suffisamment plu pour me donner envie de les partager.

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Piero Vivarelli - Oggi a Berlino (1962)

Une image et des mots. Cette image, qui nous montre des Allemands face à d'autres Allemands, est un photogramme du film de Piero Vivarelli, Oggi a Berlino (1962).

Et pour aller avec, quelques lignes de Bernanos, extraites de Les grands cimetières sous la lune (1938).

" C’est vrai que la colère des imbéciles remplit le monde. Vous pouvez rire si vous voulez, elle n’épargnera rien, ni personne, elle est incapable de pardon. Évidemment les doctrinaires de droite ou de gauche, dont c’est le métier, continueront de classer les imbéciles, en dénombreront les espèces et les genres, définiront chaque groupe selon les passions, les intérêts des individus qui le composent, leur idéologie particulière.
Pour de tels gens cela n’est qu’un jeu. Mais ces classifications répondent si peu à la réalité que l’usage en réduit impitoyablement le nombre. Il est clair que la multiplication des partis flatte d’abord la vanité des imbéciles."

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P. Fisher - Dans un tramway (1922)

La veillée du dimanche. Deux œuvres du peintre danois Paul Gustav Fischer (1860-1934), qui a consacré une grande partie de sa carrière à la vie quotidienne de Copenhague.

Né dans une famille de peintres, il se forme à l’Académie royale des beaux-arts de Copenhague, qu’il quitte après deux ans. Il travaille ensuite quelque temps dans l’entreprise de peinture de son père, tout en poursuivant sa propre activité artistique. Il dessine aussi pour des journaux et des revues, avant de se faire connaître par ses scènes de rue, ses portraits et ses représentations de la vie urbaine.

Fischer peint une ville vivante, avec ses rues, ses tramways, ses passants et ses petits événements du quotidien. Il s’intéresse à la foule comme aux scènes plus intimes, sans chercher nécessairement le pittoresque ou l’anecdote.

P.F. - L'Anniversaire (1905)

J'aime beaucoup son travail et, ici encore, j'ai eu du mal à choisir les deux tableaux qui allaient illustrer cette chronique.

Ils témoignent d’une époque où la ville se transforme, où les déplacements et les habitudes changent, et où la vie moderne devient un sujet de peinture à part entière.

C’est ce que suggèrent les deux œuvres que j’ai choisies : Dans un tramway à la gare de Nørreport (1927) et L’Anniversaire (1905). L’une nous place dans le mouvement de la ville (le tramway et ses voyageurs reviennent régulièrement dans ses tableaux), l’autre dans un moment de la vie privée. Deux situations différentes, deux instants ordinaires qui, mis en peinture, témoignent d’une certaine façon de vivre.

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E.H. - British Museum tube station (1937)

La veillée du dimanche. Deux photographies du photographe allemand naturalisé britannique Emil Otto Hoppé (1878-1972), l’une des grandes figures de la photographie du début du XXᵉ siècle.

Né à Munich dans une famille de banquiers, Hoppé s’installe à Londres en 1900. Il abandonne progressivement la carrière financière à laquelle il se destinait pour se consacrer à la photographie. Son studio, ouvert en 1907, lui apporte rapidement une grande notoriété, notamment grâce à ses portraits d’écrivains, d’artistes et de personnalités de son temps. Mais son intérêt ne se limite pas aux visages : il photographie aussi les rues, les paysages industriels et les grandes constructions qui transforment le monde moderne.

E.H. - Delaware Bridge, Philadelphia (1926)

Ponts, usines, installations portuaires ou infrastructures urbaines deviennent sous son objectif des sujets à part entière, pour leurs formes autant que pour leur fonction. Une autre de ses photographies, King George V’s Docks, London (1934), aurait peut-être été plus pertinente encore pour illustrer cet intérêt pour les formes et les possibilités plastiques des constructions modernes. Mais j’ai finalement choisi ces deux images qui témoignent elles aussi de cette manière de transformer des lieux fonctionnels en sujets photographiques.

La station du British Museum, fermée au public depuis 1933, est déjà devenue un vestige du réseau souterrain londonien lorsque Hoppé la photographie. Le pont de Philadelphie et cette station de métro nous montrent deux constructions très différentes, mais qui offrent l’une comme l’autre au photographe un jeu de lignes, de volumes et de perspectives.

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