Isaac Lazarus Israëls - Les joueurs d'échecs

La veillée du dimanche, Deux œuvres d'Isaac Israëls (1865-1934), peintre néerlandais associé à l'impressionnisme d'Amsterdam.

Fils de Jozef Israëls, peintre majeur de l'école de La Haye que je présenterai ultérieurement, il grandit dans un environnement où la peinture est une langue familiale. 

I.I. - Jeune fille lisant sur un divan
(1920)

Dans sa vingt-deuxième année, il abandonne les études académiques suivies à l’Académie royale de La Haye puis à celle d’Amsterdam, et rejoint les Tachtigers, un groupe d’artistes progressistes – peintres et poètes – créé en 1880 et influencé, en réaction à la tradition romantique, par l’impressionnisme et le naturalisme.

Pour eux, l’art n’a pas vocation à transmettre un message : la seule quête est celle de la beauté. C’est l’art pour l’art, l’expression d’un esthétisme qui s’oppose à une conception plus pragmatique de la création. Le poète Willem Kloos le résume ainsi : « l’expression la plus individuelle de l’émotion la plus individuelle ».

Les Joueurs d’échecs, pastel sur papier, est conservé au Rijksmuseum.

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Ako Salemi - Freedom (2015)

La veillée du dimanche. Deux clichés du photojournaliste Ako Salemi, né en 1981 à Bukan, dans le Kurdistan iranien. Formé à la photographie documentaire, il se fait d’abord connaître par ses reportages sur des sujets souvent sensibles : la vie quotidienne en Iran, les questions environnementales, la migration, les minorités.

A.S. - Chef d'un restaurant traditionnel
(2015)

Aujourd’hui basé aux États-Unis, Ako Salemi travaille régulièrement pour la presse internationale.

Il poursuit parallèlement des projets documentaires en photographie et en film consacrés aux tensions sociales, culturelles et environnementales de notre époque.

Sans forcer le trait, comme on le voit ici avec ces deux images d'une même série, prises au smartphone à Mazar-i-Charif, quatrième ville d’Afghanistan : les souillures sur un miroir ébréché, dont le reflet brouillé masque à peine le dénuement d’un restaurant traditionnel afghan ; et une femme en burqa, enveloppée de pigeons blancs et de colombes, symboles de paix et de liberté.

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DAH - Wild horses, Spain (1977)

Une image et des mots. Un cliché du photographe américain  David Alan Harvey (b.1944), et un poème de Sully Prudhomme.

Agite, bon cheval, ta crinière fuyante ;

Que l'air autour de nous se remplisse de voix !

Que j'entende craquer sous ta corne bruyante

Le gravier des ruisseaux et les débris des bois '.

Aux vapeurs de tes flancs mêle ta chaude haleine,

Aux éclairs de tes pieds ton écume et ton sang !

Cours, comme on voit un aigle en effleurant la plaine

Fouetter l'herbe d'un vol sonore et frémissant !

« Allons, les jeunes gens, à la nage ! à la nage ! »

Crie à ses cavaliers le vieux chef de tribu ;

Et les fils du désert respirent le pillage,

Et les chevaux sont fous du grand air qu'ils ont bu !

Nage ainsi dans l'espace, ô mon cheval rapide,

Abreuve-moi d'air pur, baigne-moi dans le vent ;

L'étrier bat ton ventre, et j'ai lâché la bride,

Mon corps te touche à peine, il vole en te suivant.

Brise tout, le buisson, la barrière ou la branche ;

Torrents, fossés, talus, franchis tout d'un seul bond ;

Cours, je rêve, et sur toi, les yeux clos, je me penche ...

Emporte, emporte-moi dans l'inconnu profond !

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(c) Géralt

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Bataclan...
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Liu Bolin - Suo Jia Cun

La veillée du dimanche. Pour vivre heureux, vivons cachés... Le matin du 16 novembre 2005, Liu Bolin découvre son atelier en ruines : les autorités chinoises viennent de détruire le village d'artistes de Suo Jia Cun. L'artiste chinois, né en 1973 à Shandong, a fait de la disparition son langage. Formé à la sculpture à l’Académie centrale des beaux-arts de Pékin, il commence à se faire remarquer à la fin des années 1990, dans un contexte politique où l’expression artistique reste étroitement surveillée.

Liu Bolin

C'est à travers ses performances photographiques qu'il forge peu à peu son style : dans ses séries Hiding in the City ou The Invisible Man, Liu Bolin se camoufle entièrement dans des paysages urbains ou industriels, peignant sur lui-même le décor jusqu’à se fondre presque parfaitement dans l’arrière-plan. À la fois critique sociale, réflexion sur l’effacement de l’individu face au pouvoir, et métaphore de l’adaptation forcée dans un monde normé, son travail navigue entre performance, photographie et installation.

Ses œuvres, sous leurs allures ludiques, parlent de marginalisation, de disparition culturelle, de la tension entre traditions et modernité dans la Chine contemporaine. Mais elles disent aussi quelque chose de plus simple et de plus troublant : comment continuer à exister quand on cherche à vous faire disparaître ? La dissimulation peut alors devenir une forme de résistance. On le sait depuis Machiavel : elle peut être une technique d’opposition politique.

« Les sages sans puissance, disait Tommaso Campanella, sont contraints de vivre comme les fous. »

Installé aujourd’hui entre Pékin et New York, Liu Bolin continue d’explorer les formes invisibles de résistance. Il s’efface pour mieux parler du monde.

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Alexey Titarenko

Une image et des mots. La photographie est de Alexey Titarenko, déjà présenté ici en nov. 2010. Et pour aller avec, un extrait d'un petit ouvrage de Roger Caillois paru en 1977 chez Fata Morgana, Petit guide du XVe arrondissement à l'usage des fantômes.

"Il me vint à l'idée qu'on ne peut pas prendre en filature des humains, mais des simulacres qui leur ressembleraient. Je me souvins alors d'un conte de Léon-Paul Fargue, intitulé La drogue, que je tiens depuis longtemps pour un des chefs-d'oeuvre du fantastique moderne. Ce récit met en scène des êtres flottants, venus d'on ne sait quels limbes et reconnaissables à certains signes mystérieux.
Un jour, ils se sont brusquement condensés en un quartier écarté ; un autre, ils s'évanouissent sans crier gare. Ils s'affairent dans la cité, profitant de la distraction ou de l'indifférence générale, jusqu'au moment où un passant informé en aperçoit un et se décide à le prendre en chasse jusqu'à épuisement. Alors c'en est fait du malheureux. Il mincit, s'éclaircit, devient transparent, s'enfonce dans le sol, s'élève comme un ballon qu'un enfant a laissé s'échapper ou encore s'aplatit contre un mur poreux qui l'absorbe comme ferait un buvard.
Aucun ne résiste longtemps, il ne fait pas bon pour eux d'avoir été surpris en flagrant délit de "n'être pas des hommes".

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Henry Moore - Sea (1869)

La veillée du dimanche. Deux œuvres de l'Anglais Henry Moore (1831-1895), peintre de marines et de paysages. D’abord formé par son père, il entre en 1853 à la Royal Academy Schools de Londres, la plus ancienne école d’art de Grande-Bretagne.

En 1867, il rejoint la Society of British Artists, dont il restera membre jusqu’en 1875. Après avoir peint ses premières scènes de campagne anglaise, il se consacre presque exclusivement à la mer, qui devient le grand sujet de son œuvre.

H.M. - The rainbow (1865)

Mais contrairement à beaucoup de peintres de marines de son époque, Moore s’intéresse moins aux batailles navales ou aux ports grouillants de vie qu’à la mer elle-même. Les vagues, la lumière sur la surface de l’eau, les nuages lourds au-dessus d’une étendue vide.

Ou presque.

« Chaque jour, on regardait ça : la mer écrite », écrivait Marguerite Duras.

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