Z. S. - Autoportrait au foulard (1911)

La veillée du dimanche. Deux œuvres de l'artiste russe Zinaïda Serebriakova (1884-1967), formée à l’école privée Maria Tenicheva à Saint-Pétersbourg, puis à Paris. La Révolution d’Octobre bouleverse sa vie : son mari meurt, elle est séparée de ses enfants, et finit par prendre le chemin de l’exil. En 1924, elle rejoint Paris, où elle vivra jusqu’à sa mort, peignant souvent de mémoire, parfois au fil de rares voyages.

Serebriakova revient toujours à ce qui lui est proche : sa famille, la vie domestique, les gestes simples, la campagne russe. On retrouve dans son travail des affinités avec la Renaissance italienne et avec certains impressionnistes français, mais elle reste en marge des écoles, fidèle à un regard tranquille, attentif, tourné vers des figures familières.

Z.S. - Panier avec des sardines (1930)

Comme j’aime beaucoup son travail, le choix des deux tableaux n’a pas été simple. Parmi plusieurs autoportraits – dont celui à la table de toilette, étonnamment moderne – j’ai retenu celui-ci : 

il pourrait être le portrait d’une jeune femme bohème d’aujourd’hui, tant l’attitude semble libre et naturelle.

Pour le second, j’ai hésité avec sa Terrasse à Collioure – peut-être aussi un autoportrait, si l’on en croit le carton à dessins posé tout près – mais ce sera finalement ce panier de sardines, que j’aime pour sa simplicité et sa fraîcheur presque domestique.

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Willem van de Poll - Place Blanche (1936)

Une image et des mots. La Place Blanche et son Moulin Rouge, par le photographe de presse néerlandais Willem van de Poll.

Si l'on regarde attentivement sous l'enseigne allumée au bas de l'affiche Cinzano, on peut lire le nom du bar Cyrano, un des cafés dans lesquels André Breton "faisait la révolution".

Du chef de file du surréalisme et de ses amis, Frida Kahlo dit ce qu'elle pense dans cette lettre - en anglais, ICI - adressée le 16 février 1939, à son amant le photographe Nickolas Muray, alors qu'elle séjourne à Paris pour y exposer ses oeuvres.

Bon, quand tout a été plus ou moins réglé, comme je te l'ai expliqué, Breton m'a dit il y a quelques jours que l'associé de Pierre Colle, un vieux bâtard et fils de pute, avait vu mes tableaux et considéré que deux seulement pouvaient être exposés parce que le reste était trop choquant pour le public !! J'aurais pu tuer ce type et le bouffer ensuite, mais je suis tellement dégoûtée par toute cette affaire que j'ai décidé de tout envoyer au diable et de me tirer de ce foutu Paris avant de devenir dingue. Tu n'as pas idée du genre de salauds que sont ces gens. Ils me donnent envie de vomir. Ils sont si "intellos" et pourris que je ne peux plus les supporter. C'est vraiment trop pour moi. Je préfèrerais m'assoir par terre au marché de Toluca pour vendre des 'tortillas' que d'avoir encore affaire à ces putains d'"artistes" parisiens. Ils passent des heures à se réchauffer leur précieux derrière dans les cafés, à parler sans discontinuer de "culture", d'"art", de "révolution", et ainsi de suite, en se prenant pour les dieux du monde, en délirant sur les choses les plus absurdes et en polluant l'atmosphère avec des théories et des théories qui ne deviennent jamais réalité.

Le lendemain matin, ils n'ont rien à manger chez eux vu qu'aucun ne travaille, et ils vivent aux crochets d'un tas de riches vieilles peaux qui admirent le "génie" de ces "artistes". De la merde et rien que de la merde, voilà ce qu'ils sont. Je ne vous ai jamais vus, ni Diego ni toi, perdre votre temps en stupides commérages et en discussions "intellectuelles"; voilà pourquoi vous êtes de vrais hommes et pas des "artistes" bidon. Bon sang ! Ça valait le coup de venir, rien que pour voir pourquoi l'Europe est en train de pourrir, et pourquoi tous ces gens - des bons à rien - sont la cause de tous les Hitlers et Mussolinis. Je te parie ma vie que je vais haïr cet endroit et ses gens jusqu'à la fin de mes jours. Il y a chez eux quelque chose de tellement faux et irréel que ça me rend dingue.

Je n’ai jamais vraiment accroché à ce qu’elle peint, mais j’aime assez ce qu’elle écrit.

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J. Brack - First daughter (1955)

La veillée du dimanche. Deux œuvres du peintre australien John Brack (1920-1999), natif de Melbourne et formé dans les années 1940 à la National Gallery School après avoir servi dans l’armée pendant la Seconde Guerre mondiale. Il s’inscrit très vite dans le courant du réalisme moderniste australien, avec une manière sobre, très urbaine et contemporaine.

Il fait partie, avec notamment Charles Blackman, Arthur et David Boyd ou John Perceval, du groupe des Antipodéens, formé pour pour défendre la peinture figurative face à la montée de l'expressionnisme abstrait américain.

J.B. - North Balwyn tram terminus
(1954)

Brack regarde la ville, ses gestes mécaniques, ses décors neutres ; sa palette est souvent sourde – bruns, beiges, gris, ocres –, et ses compositions rigoureusement construites. Il peint les bureaux, les cafés, les mariages, les files d’attente, avec une précision presque chirurgicale et un humour discret mais mordant, comme l'illustre par exemple son Collins St., 5 p.m.

« Ce qui m’intéresse dans la peinture, ce sont les gens, bien sûr : principalement la manière dont ils vivent, dont ils se comportent, les visages qu’ils finissent par avoir, et la façon dont ils supportent une existence qui semble si curieusement tragique. »

Mais si ses personnages semblent parfois prisonniers d’un monde de gestes et d’habitudes, Brack ne les condamne pas : il observe simplement, avec une douce ironie, ce que nos vies modernes font de nous.

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La veillée du dimanche.
Cette larme qui perle à l'oeil de Saint Jean est un détail de la Descente de croix, une commande de la confrérie des arbalétriers pour leur chapelle de Louvain, en Belgique.

Peinte vers 1435, elle est l’œuvre du maître flamand Rogier van der Weyden (Rogier de la Pasture, vers 1400-1464), l’un des grands fondateurs de la peinture flamande du XVe siècle avec Jan van Eyck et Robert Campin (dit le Maître de Flémalle), chez qui il entre très jeune en apprentissage. Cette merveille fait partie des 14 chefs-d'oeuvre du Prado (visibles ICI) numérisés en ultra-haute définition par Google Earth, permettant d’observer avec une précision exceptionnelle le moindre coup de pinceau et jusqu’aux craquelures de la matière.

En miniature aussi (cliquer pour agrandir), on peut admirer la virtuosité du peintre dans les larmes du personnage féminin situé derrière Saint Jean. Il s’agit de Marie Cléophas, demi-sœur de la Vierge, dont la douleur silencieuse rejoint celle de l’apôtre.

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I. C. - Morning mist (1911)

La veillée du dimanche. Au lendemain de la Journée internationale des droits des femmes, deux clichés d’Imogen Cunningham (1883-1976), photographe américaine et militante féministe.

Elle reçoit une éducation peu conventionnelle : son père, libre-penseur, assure lui-même ses premières années d’instruction. Elle poursuit ensuite des études à l’université de Washington, à Seattle, où elle se spécialise en chimie tout en s’intéressant à d’autres disciplines. Cette formation scientifique marquera durablement son approche de la photographie, notamment son attention à la lumière et aux techniques photographiques. C’est là, inspirée par une amie fascinée par le travail de la portraitiste Gertrude Käsebier, qu’elle découvre la photographie, à laquelle elle se consacre rapidement, avant de parfaire sa formation auprès d’Edward S. Curtis.

I.C. - The unmade bed (1958)

« La beauté en photographie ne réside pas seulement dans une image techniquement parfaite ; elle consiste à saisir l’essence du sujet, à raconter une histoire par l’image. »

Ses premiers travaux portent la marque de la Photo-secession et des pictorialistes, mouvements qui cherchent alors à faire reconnaître la photographie comme un art à part entière.

Le premier cliché en garde quelque chose : il s'agit de l'un des deux tirages d'un même autoportrait, l'un clair (Morning Mist and Sunshine), l’autre sombre (In Moonlight). Dans le second, Cunningham – que l’on associe volontiers à ses nus – ne montre rien d’autre que son absence.

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G. Scholz - Petite ville le jour (1922)

La veillée du dimanche. Deux œuvres du peintre réaliste allemand Georg Scholz (1890-1945), figure de la Nouvelle Objectivité, formé à l'Académie des Beaux-Arts de Karlsruhe puis à celle de Munich.

Il est surtout connu pour ses peintures engagées, qui portent un regard acéré sur la société allemande de l’entre-deux-guerres et sur la montée du nazisme. Proche du Parti communiste allemand, membre du Novembergruppe à Berlin, il s'inscrit dans la Nouvelle Objectivité, un mouvement qui cherche, après les bouleversements de la Première Guerre mondiale, à regarder le monde contemporain avec davantage de lucidité, loin des idéalisations.

G.S. - Porteur de journaux

Son travail mêle une observation précise, parfois presque sèche, à une forme de satire qui n’épargne ni les puissants ni les travers de son époque. On y retrouve à la fois une part de l’héritage expressionniste allemand – comme chez Ernst Kirchner ou Emil Nolde – et celui des maîtres de la Renaissance comme Dürer ou Holbein.

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Anonyme - McAuley Cremorne Mission
Times Square NYC (1985)

Une image et des mots. Conservé à la New York Historical Society, ce cliché fait partie de la collection de Eugene Gordon.

Dieu mort, restent les hommes, écrit Camus dans "L'homme révolté", c'est-à-dire l'histoire qu'il faut comprendre et bâtir.

Pour aller avec cette image, voici quelques lignes de l'écrivain suédois Stig Dagerman.

Je peux reconnaître que la mer et le vent ne manqueront pas de me survivre et que l'éternité se soucie peu de moi. Mais qui me demande de me soucier de l'éternité ?

[....] car à la vérité, il n'existe pour moi qu'une seule consolation qui soit réelle, celle qui me dit que je suis un homme libre, un individu inviolable, un être souverain à l'intérieur de ses limites.

Stig Dagerman, Notre besoin de consolation est impossible à rassasier (1952).

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