Evelyn Hofer - Dublin (1966)

Le vide-grenier du dimanche. Deux clichés de la photographe germano-américaine Evelyn Hofer (1922-2009), figure marquante de la photographie documentaire du XXe siècle. Née à Marburg, en Allemagne, elle a grandi dans un contexte de bouleversements politiques qui ont profondément influencé sa vie et son art. Sa famille a fui le nazisme en 1933 pour s’installer à Genève, puis à Madrid. Mais l’arrivée de Franco au pouvoir a poussé sa famille à émigrer à nouveau, cette fois au Mexique au début des années 1940, où Evelyn a entamé sa carrière de photographe professionnelle. En 1946, elle s’installe à New York, où elle collabore avec Alexey Brodovitch de Harper’s Bazaar et fréquente des artistes comme Richard Lindner et Saul Steinberg.

E. Hofer - New York

Hofer est reconnue pour ses portraits et paysages urbains réalisés avec une chambre photographique 4x5 pouces, un choix technique qui reflète son exigence. Ses compositions sont ordonnées et précises, et ses portraits révèlent souvent des expressions ambivalentes, teintées de tristesse ou de solitude. Elle a également excellé dans des projets littéraires, associant ses photographies aux textes d’auteurs tels que V.S. Pritchett (Dublin: A Portrait) et Mary McCarthy (The Stones of Florence).

Caractérisé par une grande élégance formelle, le travail d'Evelyn Hofer transcende la simple documentation pour inviter à une réflexion visuelle sur l’architecture, les visages, et les histoires humaines, témoignant de son regard à la fois rigoureux et profondément sensible.

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William Sanderson - Untitled

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres du peintre américain d'origine lettone William Sanderson (1905-1990). Né à Dubbeln, près de Riga, il a eu une vie marquée par les bouleversements de son époque, de la Russie tsariste à l'Amérique de la Grande Dépression. Immigré aux États-Unis en 1923, il a étudié à la National Academy of Design à New York, avant de travailler comme illustrateur pour des magazines prestigieux tels que The New Yorker et New Masses.

“I believe the artist is first of all a human being with the ability to see and depict the hope, aspirations and the despair of other human beings.”

William Sanderson, qui affirmait que « la responsabilité de l’artiste envers la société » restait au cœur de sa démarche, portait un regard lucide sur les préjugés ethniques et raciaux qu’il considérait comme un thème central de son engagement artistique ; il les a illustrés dans les années 50 avec des oeuvres comme Noon Hour, Whites Only et Brief Encounter, où il met en scène des réalités sociales marquées par la ségrégation. Ses œuvres des années 1950 critiquaient également l’aliénation et les tensions de la vie urbaine, comme en témoigne Beginning of the End. Plus tard, avec des peintures comme Tierra y Libertad et La Pulquería, qui empruntent au style réaliste socialiste de Diego Rivera, il aborde la quête identitaire des jeunes Chicanos.

W.S. - Ten bare trees

Au-delà de ses multiples influences, de la tradition européenne au modernisme américain, et de la coexistence harmonieuse d'éléments figuratifs et abstraits dans ses toiles, William Sanderson conservait une foi inébranlable dans le caractère intemporel et universel de l'art, ainsi que dans le réconfort spirituel qu'il procure.

“Because I feel that art is fundamentally humanistic, that it has its roots in a concern with man – not with the machine, the computer nor the rocket – I believe that the artist can use his multiple abilities of communication to offer men spiritual release and infuse meaning into what is often a meaningless existence.”

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Ian Boulton - Moon Street, Stokes Croft. (2015)

Une image et des mots. Un cliché du photographe anglais Ian Boulton, et un poème de Benjamin Fondane, assassiné en 1944 dans une chambre à gaz d'Auschwitz.

"...Oui, j’ai été un homme comme les autres hommes,
nourri de pain, de rêve, de désespoir. Eh oui, j’ai aimé, j’ai pleuré, j’ai haï,

j’ai souffert, j’ai acheté des fleurs

et je n’ai pas toujours payé mon terme.

Le dimanche j’allais à la campagne
pêcher, sous l’œil de Dieu,

des poissons irréels,
je me baignais dans la rivière
qui chantait dans les joncs et je mangeais des frites le soir.

Après, après, je rentrais me coucher fatigué,

le cœur las et plein de solitude,
plein de pitié pour moi, plein de pitié pour l’homme,
cherchant, cherchant en vain sur un ventre de femme
cette paix impossible que nous avions perdue
naguère, dans un grand verger

où fleurissait au centre, l’arbre de la vie…"

Heinrich Vogeler - Rêverie (1900)

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres du peintre allemand Heinrich Vogeler (1872-1942), né à Brême et formé à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf.

D'abord influencé par les préraphaélites et l'Art Nouveau, il explore des thématiques spirituelles et mythologiques, qu'il transpose dans les paysages de son pays. Ses premières œuvres, comme "Contes d'hiver" (1897), réinterprètent des récits bibliques dans des scènes quotidiennes, où les figures sacrées apparaissent sous des traits populaires et contemporains.

Son art se caractérise par une grande attention au détail et une forte charge symbolique ; cela se retrouve notamment dans ses fresques et créations de mobilier pour la ferme de Barkenhoff qu'il aménage en colonie d'artistes dans le style Jugendstil.

H. Vogeler - Paysage

Cependant, après 1906, son engagement personnel et politique le pousse à modifier son approche artistique.

Sa découverte de la condition ouvrière, lors de ses voyages et lectures sur le socialisme, marque de plus en plus ses créations. Il se détourne de ses premières influences pour adopter une peinture plus réaliste et engagée, qui illustre les luttes sociales et les conditions de vie des travailleurs. Sa participation à des mouvements pacifistes pendant la Première Guerre mondiale et son rapprochement avec la révolution bolchevique vont profondément modifier sa pratique. Vogeler commence à peindre des fresques qui célèbrent la vie des ouvriers et des paysans, un engagement qu’il va poursuivre lors de ses voyages en Russie soviétique dans les années 1920. Il suffit pour mesurer l'ampleur de cette évolution de comparer des toiles profondément préraphaélites comme Le Printemps (1897) à son Docker à Hambourg de 1928 ou plus tard encore à son Stakhanoviste à Sotchi (1936). 

Son rôle dans le Parti communiste et son soutien à la révolution d'Octobre marquent une étape cruciale dans son parcours. Vogeler devient un fervent défenseur des idéaux socialistes, réalisant des œuvres de propagande pour le régime soviétique et s'investissant dans des projets visant à améliorer la condition des classes populaires. Il fonde même une communauté ouvrière à Barkenhoff, où il tente de mettre en pratique ses idéaux utopistes. Toutefois, ses divergences avec le Parti communiste d'Allemagne et ses expériences en URSS – notamment son rôle dans la construction du socialisme en Carélie et en Ouzbékistan – finissent par le marginaliser.

En dépit de son engagement politique et social, Vogeler doit faire face aux contradictions du régime soviétique et à la répression stalinienne, ce qui l'amène à douter de ses convictions initiales. Ses derniers travaux sont marqués par un réalisme austère, mettant en avant l'image de l'ouvrier dans une société en crise. Exilé en URSS pendant la Seconde Guerre mondiale, il meurt en 1942 dans des conditions difficiles, en laissant derrière lui une œuvre profondément marquée par les idéaux de son époque, mais aussi par les luttes et les espoirs qui l'ont animé tout au long de sa vie.

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Tuija Lindström - Pia (1983)

Le vide-grenier du dimanche. Deux clichés de la photographe suédo-finlandaise Tuija Lindström (1950-2017).

Formée à la Konstfack, l'université d'arts et du design de Stockholm, c'est la découverte en 1977 d'une exposition consacrée à Christer Strömholm (voir sept.2013) qui l'incite à se lancer dans une carrière de photographe professionnelle. Lorsque j'ai commencé à photographier dans les années 70, seuls les hommes étaient photographes. J'ai décidé de photographier les mêmes sujets qu'eux, mais d'une manière différente, de mon point de vue, avec une perspective féminine.

T.L. - For Heathcliff (1980)

Tuija Lindström est connue pour son rôle central dans l’évolution de la photographie contemporaine en Suède et pour ses œuvres mêlant esthétique formelle et thèmes profonds liés à l'identité, au corps, et à la mémoire.

C'est en particulier à sa série "The Girls at Bull's Pond" (1991), un ensemble de photographies en noir et blanc par laquelle elle a exploré les relations entre le corps féminin, la nature et les constructions sociales autour de la féminité, qu'elle doit sa reconnaissance internationale. Ces images de femmes nues qui se baignent dans l'eau sombre d'un étang sont à la fois délicates et troublantes, jouant sur la tension entre la sérénité de l'environnement et une inquiétude sous-jacente.

Par son travail et en tant que première femme professeure de photographie à l'Université de Göteborg, Tuija Lindström a profondément marqué l'histoire de l'enseignement artistique en Suède.

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Michael Handt - Untitled (2016)

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres du peintre paysagiste Michael Handt que j'ai découvert récemment.

Dans la grande tradition des maîtres paysagistes tels que Benjamin Leader, Ivan Shishkin, Albert Bierstadt (voir juil.2008) ou John Atkinson Grimshaw (voir déc.2012) - des influences qu'il revendique -, Michael Handt nous immerge dans des paysages d’une rare intensité, où chaque détail témoigne d’une observation minutieuse et de son amour profond pour la nature.

M.H. - Breaking through (2018)

Les œuvres de cet autodidacte, réalisées à l’huile avec une virtuosité impressionnante, capturent avec une précision quasi photographique toutes les subtilités des lumières naturelles ; nous pénétrons ici, dans la lumière dorée du couchant ou les voiles d'une forêt embrumée, un monde tout empreint de sérénité et de profondeur mystique.

Par cette maîtrise, Handt prolonge l’héritage des grands paysagistes tout en y apportant une sensibilité contemporaine unique. Sa toile Breaking through serait un hommage au tableau de Bierstadt "Puget sound on the Pacific Coast".

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Anonyme

Une image et des mots. Pour accompagner cette photo dont j'ignore l'auteur, quelques mots du grand Alexandre Vialatte, l'indispensable traducteur de Kafka et de Nietzsche et l'irremplaçable chroniqueur du quotidien auvergnat La Montagne.

Il n'y a rien de plus beau que le mariage. C'est lui qui assure la reproduction de l'espèce humaine. Et quoi de plus beau que l'espèce humaine ? L'espèce humaine est magnifique, la reproduire est majestueux.

L'espèce humaine : tous ces penseurs, ces athlètes, ces génies, ces marchands de beurre et de fromage, ces comptables méditatifs, ces grands-mères en chapeau à plumes ! Entre la terre et les étoiles, c'est comme un bouquet de fleurs qui clame la gloire de Dieu.

Chante, poète, l'espèce humaine : c'est elle qui pense ; commerçant, salue-la bien bas : c'est elle qui achète les sels Kruchon et les billets de la Loterie Nationale.

Il faut donc se marier pour perpétuer sur la Terre le Tour de France et la blancheur Persil.

Alexandre Vialatte, La Montagne du 9 novembre 1954.

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