G. Gómez Gil - Lever de lune (1906)

Une image et des mots. L'image, c'est cette toile du peintre espagnol Guillermo Gómez Gil (1862-1942).
Les mots sont un extrait du court traité du juriste néerlandais Grotius, De la liberté des mers (1609).

La mer est donc au nombre des choses qui ne sont point dans le commerce, c'est-à-dire qui ne peuvent devenir propriétés privées ; d'où il suit qu'à bien dire, aucune partie de la mer ne peut être comprise dans le territoire d'un peuple. C'est ce que me semble avoir pensé Placentinus, lorsqu'il a dit, "La mer est à tel point commune, qu'elle n'est sous la domination de personne que de Dieu seul", et Jean Fabre, lorsqu'il affirme "que la mer est restée libre, et doit demeurer régie par le droit primitif, en vertu duquel toutes choses étaient communes." [.....] La mer, étant insaisissable comme l'air, ne peut être ajoutée aux domaines d'aucun peuple.... Personne n'ignore qu'un navire qui traverse la mer n'y prend pas plus de droit qu'il n'y laisse de trace.

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S. Shore - Beverly Boulevard, Los Angeles (1975)

Le vide-grenier du dimanche. Deux clichés de l'américain Stephen Shore (b.1947), pionnier de la photographie couleur dite « vernaculaire » aux États-Unis. Très tôt remarqué, il entre dans la collection du MoMA à seulement 14 ans grâce à Edward Steichen, alors directeur du département photo. À 17 ans, il fréquente la Factory d’Andy Warhol, et en documente l’effervescence.

S.S. - Room 125, West Bank Motel
Idaho Falls (1973)

Dans les années 1970, Shore s’impose comme une figure décisive : influencé par Walker Evans, il traverse les États-Unis et photographie motels, stations-service, parkings, vitrines ou banlieues dans une esthétique frontale et sans hiérarchie des sujets ; une radicalité alors peu admise dans le monde de l’art.

Car tout, pour Stephen Shore, mérite d’être photographié : les architectures banales, les lieux ordinaires, le visage prosaïque de l’Amérique.

Lorsqu’il montre une série d’avenues à la photographe Hilla Becher, celle-ci lui lance :

– « Alors Stephen, comme ça tu as l’intention de photographier toutes les avenues ? » 

– « Non, Hilla, c’est ce que toi tu veux faire… Moi, je veux photographier la quintessence de l’avenue. »

Ses séries American Surfaces (1972) et Uncommon Places (1973–81) s’inscrivent dans le sillage de la New Topographics, , tout en s’en distinguant par une approche plus immersive, un usage du grand format et une attention picturale à la lumière. Il cite volontiers le Bauhaus et Eugène Atget parmi ses influences.

Avec lui la couleur, jusqu'alors réservée à la publicité ou aux loisirs, s’impose comme un langage documentaire à part entière et ouvre la voie à une génération de photographes comme William Eggleston, Joel Sternfeld ou Alec Soth.

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Claude Monet - Nymphéas et saule (1917)

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres de Monet (1840-1926), figure majeure de l'Impressionnisme dont il est l'un des fondateurs. Formé notamment auprès d’Eugène Boudin, qui l’initie à la peinture en plein air, il est passionné par les métamorphoses de la lumière et les effets des variations atmosphériques.

Rejeté par les Salons officiels, il expose en 1874 Impression, soleil levant, tableau aujourd’hui célébrissime qui donnera son nom à un mouvement appelé à transformer profondément l’art moderne jusqu’à ouvrir la voie à l’abstraction.

C. Monet - La pluie (1886)

Autour de l'étang aux nymphéas, à Giverny, Monet fait planter quatre saules pleureurs dits "de Babylone". On les retrouve dans bon nombre de ses tableaux, d'abord comme des éléments majeurs de la composition, avec leur tronc et son reflet dans l'eau calme de l'étang.

Puis, comme ici, d'une présence plus discrète, avec ces retombées qui semblent n'être là que pour voir, à travers elles, la légèreté du ciel posé sur l'étang et les nuages qui flottent parmi les nymphéas. 

"J'ai mis du temps à comprendre mes nymphéas. Un paysage ne vous imprègne pas en un jour. Et puis, tout d'un coup, j'ai eu la révélation des féeries de mon étang."

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A.N. - Otto Frank, Amsterdam (1960)

Le vide-grenier du dimanche. Deux clichés de l'américain Arnold Newman (1918-2006), figure majeure du portrait « environnemental » au XXe siècle.

Formé à la peinture à l’Université de Miami, il débute la photographie en 1938 en travaillant dans un studio de portraits à bas prix. Dès les années 1940, il élabore une approche singulière : au lieu d’isoler ses sujets dans un décor neutre, il les inscrit dans leur univers personnel ou professionnel – atelier, bureau, laboratoire, bibliothèque – afin de révéler, à travers le lieu même, leur personnalité ou leur activité.

Cette méthode deviendra sa signature et l’une des grandes innovations du portrait moderne.

Newman photographie ainsi de nombreuses figures intellectuelles, politiques et artistiques du XXe siècle : Igor Stravinsky, Pablo Picasso, Salvador Dalí, Martha Graham, John F. Kennedy, Marilyn Monroe, Piet Mondrian, Otto Frank, Andy Warhol ou encore Alfred Krupp, dont le célèbre portrait en 1963 - sombre et glaçant -, suscita une vive controverse.

Arnold Newman
M.M. et Carl Sandburg (1962)

Newman refuse l’improvisation : chaque image est longuement pensée, composée avec une précision presque architecturale. Il revendique un double héritage, classique – Rembrandt, Jean-Auguste-Dominique Ingres – et moderniste, notamment Piet Mondrian, qu’il admire profondément. Son œuvre conjugue ainsi rigueur géométrique, clair-obscur et narration visuelle.

Le premier cliché montre Otto Frank, photographié le 3 mai 1960 dans le grenier de "l'annexe secrète", quelques heures avant l’inauguration de la Maison d'Anne Frank – il y a presque jour pour jour cinquante ans.

Sur le second, Marilyn Monroe et le poète Carl Sandburg sirotent un Dry Martini à Hollywood.                        You may not come, O girl of a dream,

                  We may but pass as the world goes by,

                  And take from a look of eyes into eyes,

                  A film of hope and a memoried day.

Collaborateur régulier de Life, Look, The New Yorker ou Harper’s Bazaar, Arnold Newman a également publié plusieurs ouvrages – notamment One Mind’s Eye (1974) et Arnold Newman’s Americans (1992) – et enseigné à la Parsons School of Design. Son œuvre est aujourd’hui conservée dans les collections des plus grands musées américains, parmi lesquels le Museum of Modern Art et le Metropolitan Museum of Art.