Karl Holtz - Rue de Berlin (1920)

Le vide-grenier du dimanche. Deux illustrations du dessinateur, graveur, et caricaturiste allemand Karl Holtz (1899-1978), formé par le peintre Emil Orlik et le graphiste Ludwig Sütterlin à l'Institut de formation du Musée des arts appliqués de Berlin. Particulièrement actif pendant la République de Weimar et après, il est surtout connu pour ses caricatures politiques et ses illustrations satiriques, dans lesquelles il dénonçait les injustices sociales et les dérives politiques de son époque.

Pendant la révolution de Novembre, qui ouvre la voie à la République de Weimar, il publie ses dessins de presse dans les journaux The Red Flag et Die Aktion.

Ses œuvres, souvent publiées dans des journaux et magazines critiques de la société allemande, reflétaient une vision dissidente et acerbe du contexte politique d'alors, en particulier face à la montée du nazisme. 

K.H. - Scène de rue à Berlin (1924)

L’arrivée des nazis au pouvoir en 1933 entraîna une interdiction professionnelle qui l'empêcha de travailler comme illustrateur de presse ; il se tourna alors vers des travaux de graphisme publicitaire. En 1937, lors de l'opération de confiscation d’« art dégénéré », douze de ses lithographies furent saisies dans des musées de Dortmund et Gelsenkirchen, certaines étant détruites.

Après la guerre, Karl Holtz s'installa en Allemagne de l'Est, où il participa à la publication du magazine Ulenspiegel et continua à créer des œuvres qui témoignaient de sa perspective anti-fasciste et de son engagement social.

Lorsque le magazine satirique suisse Nebelspalter publia une de ses caricatures de Staline, il fut arrêté. En 1949, un tribunal militaire soviétique le condamna à 25 ans de prison, peine qu’il purgea à la prison de Bautzen. Le 25 juillet 1956, il fut libéré par grâce, bien qu’il n’ait pas été réhabilité à ce moment-là. 

Bien qu'il ne soit pas aussi célèbre que certains de ses contemporains, son travail demeure une part importante de l'histoire de l'art politique allemand du XXe siècle.

Will Faller - Untitled (c.1966)

Une image et des mots. Le cliché est du photographe américain Will Faller (b.1941).
Les mots sont de Marshall McLuhan, extraits de son ouvrage The mechanic bride (La mariée mécanique), publié en 1951 et où il analyse la culture de masse de l'homme moderne. 

Dans sa préface il évoque la télévision, ce "monde qui s'effondre sur le monde", selon les mots de Christian Bobin (L'inespérée, 1994).

Notre ère est la première à avoir fait de la pénétration des consciences collectives et publiques par des milliers de consciences individuelles, parmi les plus formées d'entre elles, une activité à plein temps. Il est à présent question de s'introduire dans les consciences à des fins de manipulation, d'exploitation et de contrôle. Avec pour objectif de produire de la chaleur et non de la lumière. Maintenir chacun dans un état d'impuissance prolongée est l'effet produit par un grand nombre de publicités et de programmes de divertissement.

Hanouna, si tu nous lis...

A. Delaney - The road into town

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres du peintre anglais Arthur Delaney (1927-1987), renommé pour ses œuvres nostalgiques illustrant la vie industrielle du nord de l'Angleterre, particulièrement les paysages urbains de Manchester au début du XXe siècle.

Ses représentations de l'Angleterre industrielle et de sa ville natale, avec ses personnages évocateurs des matchstick men de LS Lowry témoignent de l'influence qu'a eue sur lui l'oeuvre de son aîné mancunien (voir déc. 2015 et mai 2020).

A.Delaney - City under snow

C'est une vision pleine de nostalgie de la ville de son enfance, le Manchester des années 30 qu'il dépeint souvent par des scènes empreintes de chaleur et de charme, bien que les sujets soient parfois austères. Ses tableaux représentent fréquemment des scènes de rue animées, des tramways anciens, et des tranches de vie ouvrière, sur fond de cheminées d’usine et de bâtiments industriels, sous des ciels souvent nuageux et chargés de fumée.

Le style de Delaney se distingue par son souci du détail et une certaine douceur nostalgique, qui contraste avec les réalités plus dures de la vie urbaine qu’il illustre. Il parvient ainsi à saisir l’atmosphère du Manchester industriel tout en évoquant la résilience de ses habitants.

Cette approche unique lui a valu une grande popularité dans le nord de l’Angleterre, où ses œuvres continuent d’être admirées pour leur représentation d’une époque révolue de l’histoire britannique ; aujourd’hui, les peintures d’Arthur Delaney sont souvent exposées dans des galeries et collections dédiées à l’art industriel et au patrimoine culturel du nord de l'Angleterre.

Bernard Plossu - Françoise

Le vide grenier du dimanche. Deux clichés du photographe-voyageur français Bernard Plossu, tous deux consacrés à sa compagne Françoise Nuñez, qui vient de brutalement disparaître la veille de Noël. Assistante de Jean Dieuzaide à la fin des années 70, elle était elle-même photographe et grande voyageuse.

Né en 1945 dans le sud du Vietnam, Bernard Plossu découvre la photographie à l'âge de 13 ans, à l'occasion d'un voyage avec son père dans le Sahara.

Son travail se distingue par une approche intime et poétique de la photographie de voyage et de paysage ; il est très influencé par le cinéma qui le passionne et dont il s'est nourri pendant son adolescence à Paris, où il fréquentait assidument la cinémathèque plutôt que d'aller en cours.

B.P. - Françoise (1981)

Plossu n'a pas cessé de photographier le monde : l’Inde, le Mexique, les États-Unis, l'Afrique, et bien sûr la France. Son premier reportage il le réalise au Mexique à l'âge de 20 ans en se joignant à une expédition ethnographique dans le Chiapas ; 15 ans plus tard il en fera un livre, "Le voyage mexicain" (1979). Dès lors les voyages vont se succéder, et autant de reportages en couleur, à l'occasion desquels va naître son idée du "surbanalisme" :

En 1970, je me suis rendu compte que les choses les plus banales étaient en fait extraordinairement surréalistes ! D’où la contraction des deux mots. Le «surbanalisme» est un pied de nez au surréalisme souvent pompier ! Selon moi, pas mal de mauvaises œuvres en ont trop fait sous l’étiquette facile de surréel. Des photos nulles de sandwiches, des images faussement délirantes ont été réalisées. Ça m’a permis de dire que rien n’est plus surréel que le banal ! (Culturopoing de novembre 2015).

Rapidement, Bernard Plossu va toutefois privilégier le noir et blanc et l'emploi exclusif de la focale 50mm, l'optique à vision humaine. Sa manière unique de capturer l'essence des lieux lui permet alors de créer des images qui dépassent la simple documentation pour offrir une vision personnelle, plus introspective, emplie de détails subtils et à l'atmosphère douce et parfois mélancolique. C'est vrai que l'usage du noir et blanc accentue le côté intemporel et universel des photographies, tandis que les expérimentations de Plossu avec le flou et les angles inattendus révèlent son approche instinctive et poétique.

Son travail est largement exposé dans les musées et galeries à travers le monde ; sa vision du monde, empreinte de simplicité et de poésie, continue de captiver et de marquer profondément le champ de la photographie contemporaine.

AV4

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L. Harris - Little house (1966)

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres du peintre canadien Lawren Harris (1885-1970), cofondateur avec James MacDonald, qu'il rencontre en 1911, du Groupe des Sept déjà évoqué en mars et avril 2010.

À partir de 1933, ce groupe va se diluer dans le Canadian Group of Painters, dont Lawren Harris sera un des membres les plus éminents.

L.H. - Lake and mountains (1928)

Pendant trois ans, de 1904 à 1907, il part étudier en Europe, à Berlin précisément, où il va s'intéresser à la théosophie, une forme de philosophie mystique apparue à la fin du 19e et dont le principal représentant est Krishnamurti.

C'est dans l'épure à la fois vigoureuse et austère de ses paysages du Nord canadien que Harris exprimera toute sa profonde spiritualité.

.. Notre art est fondé sur une compréhension et un amour grandissant du Nord, dans une expérience toujours plus claire d'unité avec l'esprit messager de toute la terre, et un sentiment étrange et enveloppant de Mère Nature favorisant la naissance d'une nouvelle race et d'une ère nouvelle...          

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Nous vivons en bordure du Grand Nord et de sa blancheur où foisonne la vie, de sa solitude et de ses perspectives de régénération, de ses abandons et de sa libération, de ses appels et de ses réponses, de ses rythmes purificateurs. Il semble que le toit du continent soit la source d'un courant spirituel qui ne cessera de déverser sa clarté sur la race des hommes d'Amérique.

Sa toile Mountain forms, représentative de cette vision exaltée d'une nature puissante et harmonieuse a été adjugée plus de 11 millions de dollars en 2016 ; elle est à ce jour l'oeuvre canadienne la plus chère jamais vendue.

Mikhaïl Potapov - The moment (2017)

Une image et des mots. Le cliché est du photographe russe Mikhaïl Potapov (b.1983).
Les mots pour aller avec sont de Jean Vautrin, extraits de Gipsy blues (2014).

Pourtant, dès mon premier ouf, c'est inouï comme j'avais soif d'aimer les autres. Enfant de la lune et du soleil, j'avais une envie folle de coller mon oreille contre le fût des arbres. D'écouter battre sous l'écorce le suc de la terre. De me mêler à la gaudriole générale. À tout ce raffut de la création. D'orchestrer le cui-cui des oiseaux, d'apprivoiser le savoir des personnes. Pas une minute, je n'imaginais que les gens puissent être aussi arrogants, aussi méchants. O mensi ! comme nous les appelons dans notre parler manouche. Les gens ! Passants ordinaires, je veux dire. Gadjé ! Des corniauds de tous les jours qui vont, qui viennent et traversent devant nous.

[.....] J'ignorais qu'en naissant Tzigane, je serais rabaissé au rang de gueux, de sauvage, de chien errant qui ne connaitrait ni les lois ni la morale ordinaire.