Dod Procter - The golden girl (c.1929)

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres de l'artiste anglaise Dod Procter (1890–1972), figure discrète mais essentielle de la Newlyn School et l’une des artistes britanniques les plus reconnues de l’entre-deux-guerres. Née Doris Shaw à Hampstead, Londres, elle s’installe à 15 ans à Newlyn avec sa mère et son frère pour étudier à la Forbes School of Art, où elle partage la maison Myrtle Cottage avec sa cousine Cicely Jesse et l’artiste Tennyson Jesse. C'est là qu'elle rencontre Ernest Procter, futur mari et compagnon d’atelier et de voyages, avec qui elle se fait remarquer parmi les élèves les plus prometteurs de Stanhope Forbes.

Dod Procter - Morning (1926)

En 1910 et 1911, Dod et Ernest se rendent à Paris pour se former à l’Atelier Colarossi.

Là, ils découvrent l’Impressionnisme et le Postimpressionnisme, et rencontrent les oeuvres de Renoir et Cézanne. Le couple se marie en 1912 à l’église Paul Church, poursuivant à deux une pratique où intimité et observation du quotidien se répondent avec délicate discrétion.

Dans les années 1920, Dod Procter s’oriente vers une peinture plus épurée.

Ses modèles – souvent des jeunes femmes, parfois des enfants – apparaissent dans une lumière douce et pleine, sans décor superflu. Il me semble qu’on y devine Renoir dans la douceur des couleurs, tout en conservant quelque chose de très anglais dans la retenue. En 1927, son tableau Morning  - portrait sensuel de la fille d'un pêcheur de Newlyn -, remporte un succès immense à la Royal Academy, au point d’être acquis par la Tate : une jeune femme allongée, les yeux mi-clos, dans un silence presque tangible. C’est sans doute son œuvre la plus célèbre.

T.B.K. - Reading by a window (1900)

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres de Thomas Benjamin Kennington (1856-1916), déjà présenté en novembre 2021.

Si l’on se souvient de son intérêt pour les réalités sociales, ces deux nouvelles images révèlent surtout son sens de la composition et sa manière de rendre chaque scène vivante et crédible. J'aime la délicate sobriété de son regard : pas d’effet spectaculaire, mais chaque geste, chaque posture, chaque expression semble soigneusement observée.

T.B. Kennington - Babies' beach

Kennington reste fidèle à sa formation académique, mais son classicisme n'empêche rien : il s’allie toujours à une sensibilité attentive aux individus, aux détails de la vie et aux nuances des rapports humains. Cette précision discrète fait toute la force de son œuvre et explique pourquoi, plus d’un siècle après, elle continue de nous parler. C'est un peintre que j'aime beaucoup.

Alan Kingsbury

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres du peintre anglais Alan Kingsbury (b.1960).

Il commence à peindre à l’huile dès l’âge de neuf ans, tout en suivant plus tard des études de psychologie et d’histoire de l’art à l’université de Cardiff, avant de prolonger cette formation par une spécialisation en histoire de l’art consacrée aux maîtres anciens et à la peinture européenne moderne.

En 1983, il effectue un stage à la collection Peggy Guggenheim à Venise, où il est quotidiennement au contact direct des œuvres et de l’architecture de la ville. Il travaille ensuite chez Bonhams Fine Art comme catalogueur, une activité qui l’amène à observer et manipuler de nombreuses peintures contemporaines, dans un contexte où l’œuvre est aussi un objet d’expertise et de description.

A. Kingsbury

À partir de 1986, il s’installe successivement en Italie puis en Écosse, avant de s’établir en Cornouailles. Il y développe une pratique de la peinture centrée sur des motifs simples – intérieurs, paysages, objets – souvent élaborés à partir de l’observation sur place et de croquis pris dans des conditions de lumière changeantes, notamment en extérieur.

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Jürgen Nefzger - Serris, Marne-la-Vallée (2000)

Une image et des mots. Un cliché de Jürgen Nefzger extrait de sa série Aux  portes du royaume, réalisée entre 1997 et 2000 sur les zones pavillonnaires autour de Eurodisney. Le poème pour aller avec est d'André Dhôtel.

La rue aux cent maisons pareilles

s'ouvrait sur la campagne

que déjà les trottoirs annonçaient

pâquerettes et véroniques.

Partout la paix impénétrable

à cause des maisons simples

et des herbes abandonnées

qui réclamaient leur part de ciel.

Faut-il se demander

comment l'amour venait

du plus lointain du monde

nous apporter le rêve d'un temps

qui oubliait d'être le temps

pour rayonner dans l'espace

et rassembler les étincelles

de tout âge précipitées

en son infini diamant.

E.C. - Riding the subway (1967)

Le vide-grenier du dimanche. Deux clichés du photographe sud-africain Ernest Cole (1940–1990), l’une des figures majeures de la photographie de l’apartheid et de l’exil.

Né à Eersterust près de Pretoria, il grandit dans une Afrique du Sud profondément marquée par la ségrégation raciale. Très tôt, il comprend que la photographie peut devenir un moyen de témoignage et de dévoilement. Il apprend le métier à Johannesburg, notamment auprès de photographes du magazine Drum, qui jouent un rôle central dans l’émergence d’une photographie noire sud-africaine engagée.

E.C. - The true America

En 1967, il publie House of Bondage, livre clandestin qui documente sans détour les réalités de l’apartheid : pass laws, travail forcé, humiliations quotidiennes, espaces strictement séparés selon les catégories raciales. L’ouvrage est immédiatement interdit en Afrique du Sud. Cole s’exile alors aux États-Unis, où il poursuit son travail, mais dans des conditions de plus en plus difficiles, marqué par l’errance et la précarité.

Ses images ne cherchent pas l'effet ni la dramatisation : elles enregistrent la texture ordinaire d’un système d’oppression, la fatigue des corps, les gestes contraints, les espaces saturés de contrôle invisible.

Comme il le dira lui-même, la photographie n’est pas pour lui une mise en forme du réel, mais une nécessité de regard – une manière de rendre visible ce qui, autrement, resterait accepté comme normal.

Ernest Cole meurt en exil en 1990, peu avant la fin officielle du régime d’apartheid. Ses archives seront redécouvertes et réévaluées bien plus tard, confirmant la place essentielle de son œuvre dans l’histoire de la photographie documentaire.

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