Une image et des mots. L'image, c'est cette couverture d'un épisode des aventures du Club des 5, imaginées par la très prolifique Enid Blyton. Ce groupe d’amis pré-adolescents à la morale irréprochable a bercé toute mon enfance…

Et voilà que j'apprends que l'oeuvre d'Enid Blyton - une oeuvre qu'entre les années 30 et 50 la BBC refuse de diffuser au motif de sa "pauvreté littéraire" -  fait depuis 2004 (ou 2006 je ne sais plus), l'objet de rééditions régulièrement "retravaillées" afin d'en expurger tout ce qui pourrait sembler trop compliqué pour le jeune lecteur d’aujourd’hui.

Exit, par exemple, le passé simple, remplacé par le passé composé…Les phrases sont raccourcies, le vocabulaire et la syntaxe simplifiés.

Ainsi, ce qui était il y a quelques décennies disqualifié pour indigence littéraire, considéré comme de la mauvaise littérature enfantine, est aujourd'hui jugé trop exigeant pour le lecteur contemporain.

C'est... comment dire ? Édifiant. À quand les Fables de La Fontaine en pictogrammes ?

Pour aller avec cette illustration,  j'ai choisi une célébration de l'amitié par Walt Whitman, extraite de Leaves of grass (1855)

In paths untrodden,
in the growths by margins of pond-waters,
[.....]
clear to me now standards not yet publish'd,
clear to me that my soul,
that the soul of the man I speak for rejoices in comrades...

[.....]
I proceed for all who are or have been young men,
to tell the secrets of my nights and days,
to celebrate the need of comrades.

***

Dans des sentiers  non frayés,
parmi les plantes qui poussent au bord des eaux stagnantes,
[.....]
claires sont pour moi aujourd'hui des valeurs non encore proclamées,
il est clair pour moi que mon âme,
que l'âme de l'homme au nom de qui je parle trouve sa joie en des camarades.
[.....]
J'entreprends, à l'intention de tous ceux qui sont
ou ont été de jeunes hommes,
de dire le secret de mes nuits et de mes jours,
de célébrer le besoin de camarades.

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B. Buffet - Bouquet de marguerites (1957)

Le vide-grenier du dimanche. Deux œuvres du peintre et graveur expressionniste Bernard Buffet (1928-1999), que Maurice Druon appelait "le peintre tragique de la condition humaine".

Son style anguleux, austère et immédiatement reconnaissable lui valut un succès fulgurant après-guerre, avant de traverser une longue période de rejet critique.
En 1943, à quinze ans, il réussit le concours d’entrée à l’École des Beaux-Arts de Paris et intègre l’atelier d’Eugène Narbonne. Il a à peine vingt ans lorsqu’il atteint le faîte de sa célébrité. "Ce garçon fait à vingt ans ce que je voudrais faire à mon âge", dira un jour André Derain..

B. B. - Saule pleureur sur la rivière (1961)

Buffet sera un temps membre du groupe de l’Homme-Témoin, fondé en 1948 par de jeunes peintres français désireux de défendre un réalisme social expressif face à l’abstraction triomphante.

"La peinture, disait-il, est un cri." Ses toiles sombres, peuplées de figures décharnées, portent la trace des ruines de la guerre. Céline, en 1952, envisagea un temps de lui confier l’illustration d’une édition de luxe du Voyage au bout de la nuit, projet qui malheureusement ne vit jamais le jour. Je ne suis pas moi-même amateur de ses clowns tristes ni de ses paysages dépressifs ; question de goût. Mais j’aime certains tableaux, comme la plupart de ses marines, quelques vues de Paris, et bien sûr ceux que je présente ici aujourd’hui.

Jules Aarons - Paris (1950s)

Le vide-grenier du dimanche. Deux clichés du physicien et photographe américain Jules Aarons (1921-2008). Né dans le Bronx, il étudie la physique au City College de New York, puis à l’Université de Boston, avant de soutenir sa thèse de doctorat à Paris en 1953. En parallèle (il devient un expert reconnu de la propagation des ondes radio dans l’ionosphère), il construit une œuvre photographique attentive aux passants anonymes, aux gestes et aux visages ordinaires du quotidien urbain.

J. Aarons - Lounging, Brooklyn (1950s)

Contrairement à d'autres photographes de rue de son époque qui documentent la misère ou la détresse, il préfère montrer la dignité et la vitalité des communautés qu'il photographie : des enfants qui jouent, des adultes qui discutent sur les trottoirs ou les scènes de marché.

Ses images, qui font aujourd'hui partie des collections permanentes de grandes institutions comme la Bibliothèque Nationale de Paris, le Musée des Beaux Arts de Boston et le MoMA de New York, offrent un témoignage précieux sur la vie quotidienne de quartiers populaires aujourd'hui disparus ou transformés. Pour découvrir davantage son œuvre, vous pouvez consulter son site officiel ou la collection en ligne de la Boston Public Library.

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Rembrandt - Adam et Eve au Paradis (1638)

Une image et des mots. La représentation du bien et du mal dans cette gravure de Rembrandt peut paraître surprenante : aux côtés d'Adam et Eve, dans les moments qui précèdent leur chute, il y a un dragon - image emphatique du serpent -, mais c'est un éléphant qui vient symboliser l'innocence et la chasteté. Il y a une explication.

Le "modèle" de Rembrandt, qui n'est jamais sorti de son pays, s'appelait Hansken. Cette éléphante d'Asie avait été introduite aux Pays-Bas où elle est devenue une attraction extrêmement populaire. Représentée au moins trois fois dans l'oeuvre de Rembrandt, elle a voyagé à pied en Europe du Danemark à l'Italie, et fut le premier éléphant d'Asie a être étudié par la science occidentale.

Les mots sont extraits du Tour du monde d'un sceptique, d'Aldous Huxley (1926).

Quand il (l'éléphant) émergea de l'enceinte du palais - j'évoque cet incident trivial et par trop banal parce qu'il suscita en moi des réflexions mélancoliques sur le cosmos - notre mastodonte s'arrêta et, avec sa gravité ordinaire, se soulagea monstrueusement. L'opération terminée, il avait à peine repris sa marche, qu'une vieille femme qui était restée plantée, dans l'expectative, à la porte d'une masure au milieu des ruines, et nous nous demandions pourquoi, se précipita d'un bond sur le tas d'excréments fumants. Il y avait là, je suppose, de quoi alimenter son feu pour la cuisine de toute une semaine. [.....]

Notre tremblement de terre reprit ses embardées. Je songeai aux douzaines de millions d'êtres humains pour lesquels le passage d'un éléphant diarrhéique semble un don de Dieu, un prodigieux coup de fortune. Cette idée me déprima. Pourquoi sommes-nous ici dix-huit cents millions d'hommes et de femmes, sur cette planète remarquable et peut-être unique? À quelle fin? Est-ce pour aller à la recherche du fumier - bouse de vache, crottin de cheval, excréments énormes et princiers des éléphants? C'est évidemment cela, pour bon nombre d'entre nous du moins. C'était là, pensai-je, une raison qui semblait mal appropriée à notre présence ici-bas, nous, âmes immortelles, cousins germains des anges, les propres frères de Bouddha, de Mozart, et de Sir Isaac Newton.

A. Castro - Rien n'intéresse l'homme ... (2015)

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres de l'italien Alberto Castro (b.1973), photographe conceptuel.

Après des études en architecture à l'Université de Leeds puis à l'Université Polytechnique de Barcelone, il s'initie à la photographie en autodidacte pour aller, dit-il, à la recherche de la poésie qui nous entoure, en se concentrant sur le passage du temps et plus précisément sur le sens de l'éphémère et les transformations continues dont la vie de l'homme est parsemée.

A. C. - Numéro 4 (2014)

C'est cette idée que véhicule la série Rien n'intéresse l'homme plus que l'homme, à laquelle appartient le premier cliché.

L'homme d'aujourd'hui ingurgite des images et des informations en quantité massive, dont la plupart s'estompent et deviennent invisibles immédiatement après leur transmission, entraînant avec elles l'homme et son intérêt pour l'homme.

Je sais bien que dans l'art conceptuel l'idée est censée prévaloir sur la forme, mais c'est seulement le plaisir esthétique - cette notion bourgeoise dont Adorno ne voulait pas entendre parler -, qui a dicté mon choix dans cette publication. Pour les mêmes raisons, j'aime beaucoup sa série intitulée Il suono del silenzio (une référence à la chanson de Simon & Garfunkel), réalisée en 2011 à Lucques, en Toscane.