D.G. - An honest day wages

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres de l'illustrateur américain Danny Galieote. Formé à l'Art Center College of Design de Pasadena, ce natif de Burbank a commencé sa carrière comme animateur et artiste conceptuel chez Disney, où il a participé à des films emblématiques comme Le Roi Lion et Pocahontas.

Cette expérience a profondément influencé son style qui - combinant des lignes fluides, une composition rigoureuse, et une attention au détail qui évoque l'esthétique de l'animation traditionnelle -, reflète une profonde admiration pour la tradition figurative et le réalisme narratif. 

D. Galieote - The picnic

Les œuvres de Galieote, qui mêlent des influences du réalisme social, du régionalisme américain et de l’iconographie hollywoodienne, s’inspirent de l’esthétique de l’Amérique des années 1930 à 1950. Galieote y explore les thèmes de la vie quotidienne, des interactions humaines et des rituels sociaux, tout en leur insufflant une modernité subtile. Ses compositions, souvent empreintes de nostalgie, utilisent des palettes lumineuses et des contrastes nets, avec une maîtrise technique qui rappelle des artistes comme Edward Hopper ou Norman Rockwell.

Les récits silencieux de Danny Galieote, où chaque détail, qu’il s’agisse d’une posture, d’un regard ou d’un objet, participe à la narration, sont avant tout un hommage à l'histoire culturelle américaine.

Milton Avery - Paris pigeons (1955)

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres du peintre et aquarelliste américain Milton Avery (1885-1965) reconnu pour son style singulier, à la croisée du modernisme européen et d'une sensibilité proprement américaine. Bien qu’il soit souvent associé à l’expressionnisme et au modernisme, Avery n’a jamais revendiqué d’appartenance à un mouvement. Il a développé une voie personnelle qui influencera nombre d’artistes américains, dont Mark Rothko, qui disait de lui : "Quel était son répertoire ? Son salon, Central Park, sa femme Sally et sa fille March..., ses amis et ce qui traînait dans son studio; un monde domestique et ordinaire."

Milton Avery - Two poets (1963)

Ce qu’il peignait, c’était donc son entourage : sa famille, ses amis, des paysages ou des natures mortes, abordés avec une économie de détails qui frôle l’abstraction. Son usage des aplats de couleurs, hérité de Matisse, confère à ses toiles une intensité à la fois lumineuse et apaisée.
Longtemps sous-estimé, Milton Avery est aujourd’hui considéré comme un pionnier : il a su établir un lien essentiel entre la peinture américaine traditionnelle du début du XXᵉ siècle - encore marquée par le réalisme et le régionalisme - et l’expressionnisme abstrait qui s’imposera dans les années 1940. Il a ainsi contribué à faire émerger une modernité plus libre, ancrée dans le quotidien et attentive à la simplicité des choses.

Raphael Soyer - Café scene (1940)

Le vide-grenier du dimanche. Deux œuvres du peintre, dessinateur et graveur américain d’origine russe Raphael Soyer (1899-1987), connu pour son regard humaniste sur la vie urbaine new-yorkaise. Né à Borisoglebsk en Russie, il émigre avec sa famille en 1912 et s’installe dans le Bronx. Formé à la Cooper Union, à la National Academy of Design puis à l’Art Students League, il étudie auprès de Guy Pène du Bois et Boardman Robinson, adoptant une sensibilité proche de l’Ashcan School, tournée vers la représentation de la vie moderne et des classes populaires.

"If art is to survive, it must describe and express people."

R.S. - Annunciation (1980)

Tout au long de sa carrière, Soyer peint les hommes et les femmes dans des cadres quotidiens – rues, métros, ateliers ou appartements modestes. Portraits, nus et scènes de genre traduisent une profonde empathie pour ses modèles. Membre de la Fourteenth Street School, il expose dans les grands musées américains et enseigne à la Art Students League et à la New School for Social Research.

Rattaché à la American Scene, Soyer incarne le versant social-réaliste du mouvement, centré sur les réalités urbaines. Mais à la différence du Régionalisme tourné vers l’Amérique rurale, son réalisme demeure intimiste et psychologique : il donne une dignité aux anonymes de New York et capte la mélancolie comme la résilience de la vie moderne.

On peut admirer le premier tableau au Brookklyn Museum, à New York. Le second, au titre biblique, est conservé au Smithsonian American Art Museum de Washington. Quarante ans les séparent.

Adolf Dehn - Central Park in winter (1965)

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres de l'artiste - aquarelliste et lithographe - américain Adolf Dehn (1895-1968). 
Il commence ses études artistiques en 1917 à la Minneapolis School of Art, où il rencontre l'illustratrice Wanda Gág qui partagera sa vie pendant plusieurs années et avec qui il s'inscrira ensuite à l' Art Students League de New York.

A.D. - Red birds (1959)

Appelé en 1918 à servir sous les drapeaux pour la Première Guerre mondiale, il se déclare objecteur de conscience et se lie, en 1920 et 1921, à la gauche newyorkaise.

En 1921 il part pour L'Europe, à Paris et à Vienne, où il tissera des liens avec nombre d'intellectuels - certains comme lui expatriés -, comme Gertrude Stein, Edward E. Cummings, Josephine Baker, Leo Stein, Kurt Weill... "Life in Paris is simply glorious!"

Il retourne en 1929 dans une Amérique frappée par la Grande Dépression et traverse quelques années difficiles, mettant même son art au service de la WPA pour assurer l'ordinaire.

Ce n'est qu'à partir de 1936 qu'il commence à assoir une carrière, nationale et internationale, qui le mènera à être considéré comme un des grands maîtres américains de la lithographie et, plus largement, comme une figure majeure du courant régionaliste et du réalisme social, au même titre que Grant Wood ou Thomas Hart Benton, lesquels feront tous deux l'objet de futures publications.