Karl Holtz - Rue de Berlin (1920)

Le vide-grenier du dimanche. Formé à Berlin par Emil Orlik et Ludwig Sütterlin à l’Institut du Musée des arts appliqués, Holtz s’impose dès les années 1920 comme l’une des voix les plus acérées de la satire politique allemande. Pendant la révolution de Novembre, qui ouvre la voie à la République de Weimar, il publie dans Die Aktion et The Red Flag des dessins qui dénoncent les injustices sociales et les dérives du pouvoir. Ses caricatures, mordantes, reflètent la tension politique de son temps - jusqu’à l’arrivée du nazisme, qui met brutalement fin à sa carrière.

En 1933, il est frappé d’interdiction professionnelle et se tourne vers le graphisme publicitaire.

K.H. - Scène de rue à Berlin (1924)

Quatre ans plus tard, douze de ses lithographies sont confisquées lors de la campagne contre « l’art dégénéré » ; certaines seront détruites.

Après 1945, Holtz s’installe en Allemagne de l’Est, où il collabore au magazine satirique Ulenspiegel et poursuit son travail d’artiste engagé. Mais une caricature de Staline publiée par le Nebelspalter suisse lui vaut d’être arrêté : en 1949, un tribunal militaire soviétique le condamne à 25 ans de prison. Il sera libéré par grâce en 1956, sans réhabilitation.

Moins connu que certains de ses contemporains, Karl Holtz demeure pourtant une figure marquante de l’art politique allemand du XXᵉ siècle - témoin courageux d’une époque où la satire pouvait coûter la liberté.

Will Faller - Untitled (c.1966)

Une image et des mots. Le cliché est du photographe américain Will Faller (b.1941).
Les mots sont de Marshall McLuhan, extraits de son ouvrage The mechanic bride (La mariée mécanique), publié en 1951 et où il analyse la culture de masse de l'homme moderne. 

Dans sa préface il évoque la télévision, ce "monde qui s'effondre sur le monde", selon les mots de Christian Bobin (L'inespérée, 1994).

Notre ère est la première à avoir fait de la pénétration des consciences collectives et publiques par des milliers de consciences individuelles, parmi les plus formées d'entre elles, une activité à plein temps. Il est à présent question de s'introduire dans les consciences à des fins de manipulation, d'exploitation et de contrôle. Avec pour objectif de produire de la chaleur et non de la lumière. Maintenir chacun dans un état d'impuissance prolongée est l'effet produit par un grand nombre de publicités et de programmes de divertissement.

Hanouna, si tu nous lis...

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A. Delaney - The road into town

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres du peintre anglais Arthur Delaney (1927-1987), connu pour ses évocations sensibles de la vie industrielle du nord de l’Angleterre, et plus particulièrement des paysages urbains de Manchester au début du XXᵉ siècle.

Influencé par l’œuvre de son compatriote et aîné L.S. Lowry (voir déc. 2015 et mai 2020), Delaney reprend la silhouette familière des “matchstick men” dans des scènes où la rudesse du monde ouvrier se teinte d’un charme nostalgique.

A.Delaney - City under snow

Ses toiles, peuplées de tramways, de passants affairés et de cheminées d’usine sous un ciel de fumée, restituent le Manchester de son enfance - celui des années 1930 - avec une chaleur et une douceur de ton qui en atténuent l’austérité.

Le style de Delaney se distingue par son souci du détail et une certaine douceur nostalgique, qui contraste avec les réalités plus dures de la vie urbaine qu’il illustre. Il parvient ainsi à saisir l’atmosphère du Manchester industriel tout en évoquant la résilience de ses habitants.

Cette approche unique lui a valu une grande popularité dans le nord de l’Angleterre, où ses œuvres continuent d’être admirées pour leur représentation d’une époque révolue de l’histoire britannique ; aujourd’hui, les peintures d’Arthur Delaney sont souvent exposées dans des galeries et collections dédiées à l’art industriel et au patrimoine culturel du nord de l'Angleterre.

Bernard Plossu - Françoise

Le vide grenier du dimanche. Deux clichés du photographe-voyageur Bernard Plossu (b.1945), tous deux consacrés à sa compagne Françoise Nuñez, brutalement disparue la veille de Noël. Assistante de Jean Dieuzaide à la fin des années 1970, elle était elle-même photographe et grande voyageuse - leur complicité, artistique autant qu’amoureuse, irrigue toute l’œuvre de Plossu.

Né au sud du Vietnam, il découvre la photographie à treize ans lors d’un voyage avec son père dans le Sahara. Son regard, façonné autant par les routes que par le cinéma, s’impose très tôt : adolescent à Paris, il préfère la Cinémathèque aux bancs de l’école.
À vingt ans, il part au Mexique avec une expédition ethnographique dans le Chiapas - ce premier grand voyage donnera naissance, quinze ans plus tard, à Le Voyage mexicain (1979), devenu un livre culte.

B.P. - Françoise (1981)

Plossu n'a pas cessé de photographier le monde : l’Inde, le Mexique, les États-Unis, l'Afrique, et bien sûr la France. Photographe du monde autant que de l’instant, il invente ce qu’il appelle le « surbanalisme » : l’idée que rien n’est plus surréel que le banal. Chez lui, les paysages, les visages et les gestes ordinaires deviennent fragments d’éternité.

En 1970, je me suis rendu compte que les choses les plus banales étaient en fait extraordinairement surréalistes ! D’où la contraction des deux mots. Le «surbanalisme» est un pied de nez au surréalisme souvent pompier ! Selon moi, pas mal de mauvaises œuvres en ont trop fait sous l’étiquette facile de surréel. Des photos nulles de sandwiches, des images faussement délirantes ont été réalisées. Ça m’a permis de dire que rien n’est plus surréel que le banal ! (Culturopoing de novembre 2015).

Il privilégie rapidement le noir et blanc et l’usage exclusif d’une focale de 50 mm : « la vision humaine ». Ses images, souvent floues, comme inachevées, ne cherchent pas à documenter mais à retrouver le sentiment du monde : une poésie discrète, faite d’instants suspendus, d’ombres légères, de silences.

Aujourd’hui exposé dans les musées du monde entier, Bernard Plossu demeure l’un des grands poètes de la photographie contemporaine - un homme qui aura su transformer le quotidien en voyage, et la vie partagée en lumière.

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L. Harris - Little house (1966)

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres du peintre canadien Lawren Harris (1885-1970), cofondateur avec James MacDonald, qu'il rencontre en 1911, du Groupe des Sept déjà évoqué en mars et avril 2010.

Ensemble, ils ont contribué à définir une véritable identité picturale canadienne, célébrant la grandeur sauvage du Nord. À partir de 1933, ce groupe va se diluer dans le Canadian Group of Painters, dont Lawren Harris sera un des membres les plus éminents.

L.H. - Lake and mountains (1928)

Entre 1904 et 1907, Harris séjourne à Berlin, où il découvre la théosophie - une philosophie mystique apparue à la fin du 19e et dont le principal représentant est Krishnamurti. Elle prône l’unité de l’homme et du cosmos, et va profondément marquer sa vision de l’art.

Et c'est dans l'épure à la fois vigoureuse et austère de ses paysages du Nord canadien que Harris exprimera toute sa profonde spiritualité : montagnes aux lignes pures, lacs immobiles, ciels métaphysiques - autant de visions d’un monde transfiguré par la lumière.

.. Notre art est fondé sur une compréhension et un amour grandissant du Nord, dans une expérience toujours plus claire d'unité avec l'esprit messager de toute la terre, et un sentiment étrange et enveloppant de Mère Nature favorisant la naissance d'une nouvelle race et d'une ère nouvelle...          

[.....] Nous vivons en bordure du Grand Nord et de sa blancheur où foisonne la vie, de sa solitude et de ses perspectives de régénération, de ses abandons et de sa libération, de ses appels et de ses réponses, de ses rythmes purificateurs.

Pour lui, le Nord canadien n’était pas seulement un territoire géographique, mais un lieu d’élévation intérieure, une source de régénération spirituelle :

Il semble que le toit du continent soit la source d'un courant spirituel qui ne cessera de déverser sa clarté sur la race des hommes d'Amérique.

Sa toile Mountain forms, représentative de cette vision exaltée d'une nature puissante et harmonieuse a été adjugée plus de 11 millions de dollars en 2016 ; elle est à ce jour l'oeuvre canadienne la plus chère jamais vendue.

Mikhaïl Potapov - The moment (2017)

Une image et des mots. Le cliché est du photographe russe Mikhaïl Potapov (b.1983).
Les mots pour aller avec sont de Jean Vautrin, extraits de Gipsy blues (2014).

Pourtant, dès mon premier ouf, c'est inouï comme j'avais soif d'aimer les autres. Enfant de la lune et du soleil, j'avais une envie folle de coller mon oreille contre le fût des arbres. D'écouter battre sous l'écorce le suc de la terre. De me mêler à la gaudriole générale. À tout ce raffut de la création. D'orchestrer le cui-cui des oiseaux, d'apprivoiser le savoir des personnes. Pas une minute, je n'imaginais que les gens puissent être aussi arrogants, aussi méchants. O mensi ! comme nous les appelons dans notre parler manouche. Les gens ! Passants ordinaires, je veux dire. Gadjé ! Des corniauds de tous les jours qui vont, qui viennent et traversent devant nous.

[.....] J'ignorais qu'en naissant Tzigane, je serais rabaissé au rang de gueux, de sauvage, de chien errant qui ne connaitrait ni les lois ni la morale ordinaire.

Victor Pasmore - Hammersmith, evening (1944)

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres du peintre et architecte anglais Victor Pasmore (1908-1998), figure majeure de l'art abstrait britannique. D'abord ancré dans une peinture figurative influencée par le post-impressionnisme - Bonnard, entre autres - Pasmore évolue après-guerre vers l'abstraction, période que je préfère et dans laquelle s'inscrivent ces deux tableaux, où il s'affirme comme un acteur clé du modernisme au Royaume-Uni.

V.P. - Quiet river, The Thames at Chiswick
(1943)

Cette évolution, dans les années 40, doit beaucoup à l'influence d'artistes comme Nicholson, Piet Mondrian et Paul Klee, qui l'ont mené à explorer des formes géométriques, la couleur et les lignes.

Ainsi, dans les années 1950, Pasmore est définitivement devenu un fervent défenseur de l'abstraction en Grande-Bretagne. Ses œuvres intégraient des formes minimalistes et des reliefs sculptés, repoussant les frontières entre peinture et sculpture. Pasmore transpose également ses recherches dans l’espace public, notamment à Peterlee, où il insère l’art abstrait dans l’architecture et l’aménagement urbain. Son œuvre, marquée par une exploration continue de la forme et de l’espace, est conservée dans des collections prestigieuses - Tate, Museum of Modern Art de New York - et continue d’inspirer par sa rigueur et ses innovations.

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Meilleurs voeux !