Z. S. - Autoportrait au foulard (1911)

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres de l'artiste russe Zinaïda Serebriakova (1884-1967), formée à l’école privée Maria Tenicheva à Saint-Pétersbourg, puis à Paris. La Révolution d’Octobre bouleverse sa vie : son mari meurt, elle est séparée de ses enfants, et contrainte à l’exil.

En 1924, elle rejoint Paris, où elle vivra jusqu’à sa mort, peignant souvent de mémoire, parfois au fil de rares voyages.
Serebriakova revient toujours à ce qui lui est proche : sa famille, la vie domestique, les gestes simples, la campagne russe. Il y a chez elle des affinités avec la Renaissance italienne et avec certains impressionnistes français, mais elle reste en marge des écoles, fidèle à un regard tranquille, attentif, presque toujours tourné vers des figures familières.

Z.S. - Panier avec des sardines (1930)

Comme j’aime beaucoup son travail, j’ai eu du mal à choisir les deux tableaux de cette chronique. Parmi plusieurs autoportraits, dont celui à la table de toilette que je trouve étonnamment moderne, j’ai finalement retenu celui-ci : il pourrait être le portrait d’une jeune femme bohème d’aujourd’hui, tant il semble proche dans son attitude.

Pour le second tableau, j’ai longtemps hésité avec sa Terrasse à Collioure – peut-être aussi un autoportrait, si l’on en croit le carton à dessins posé tout près – mais ce sera finalement ce panier de sardines, que j’aime pour sa simplicité directe et la fraîcheur presque domestique du motif.

Willem van de Poll - Place Blanche (1936)

Une image et des mots. Voici une bien belle photo de la Place Blanche avec son Moulin Rouge, par le photographe de presse néerlandais Willem van de Poll. 

Si l'on regarde attentivement sous l'enseigne allumée au bas de l'affiche Cinzano, on peut lire le nom du bar Cyrano. C'était dans les années 20 un des cafés dans lesquels André Breton "faisait la révolution".
Comment résister au plaisir d'associer à ce cliché un extrait traduit d'une lettre adressée - en anglais, ICI - par Frida Kahlo, le 16 février 1939, à son amant le photographe Nickolas Muray, alors qu'elle séjourne à Paris pour y exposer ses oeuvres ?

Bon, quand tout a été plus ou moins réglé, comme je te l'ai expliqué, Breton m'a dit il y a quelques jours que l'associé de Pierre Colle, un vieux bâtard et fils de pute, avait vu mes tableaux et considéré que deux seulement pouvaient être exposés parce que le reste était trop choquant pour le public !! J'aurais pu tuer ce type et le bouffer ensuite, mais je suis tellement dégoûtée par toute cette affaire que j'ai décidé de tout envoyer au diable et de me tirer de ce foutu Paris avant de devenir dingue. Tu n'as pas idée du genre de salauds que sont ces gens. Ils me donnent envie de vomir. Ils sont si "intellos" et pourris que je ne peux plus les supporter. C'est vraiment trop pour moi. Je préfèrerais m'assoir par terre au marché de Toluca pour vendre des 'tortillas' que d'avoir encore affaire à ces putains d'"artistes" parisiens. Ils passent des heures à se réchauffer leur précieux derrière dans les cafés, à parler sans discontinuer de "culture", d'"art", de "révolution", et ainsi de suite, en se prenant pour les dieux du monde, en délirant sur les choses les plus absurdes et en polluant l'atmosphère avec des théories et des théories qui ne deviennent jamais réalité.

Le lendemain matin, ils n'ont rien à manger chez eux vu qu'aucun ne travaille, et ils vivent aux crochets d'un tas de riches vieilles peaux qui admirent le "génie" de ces "artistes". De la merde et rien que de la merde, voilà ce qu'ils sont. Je ne vous ai jamais vus, ni Diego ni toi, perdre votre temps en stupides commérages et en discussions "intellectuelles"; voilà pourquoi vous êtes de vrais hommes et pas des "artistes" bidon. Bon sang ! Ça valait le coup de venir, rien que pour voir pourquoi l'Europe est en train de pourrir, et pourquoi tous ces gens - des bons à rien - sont la cause de tous les Hitlers et Mussolinis. Je te parie ma vie que je vais haïr cet endroit et ses gens jusqu'à la fin de mes jours. Il y a chez eux quelque chose de tellement faux et irréel que ça me rend dingue.

Je dois avouer que je n’ai jamais vraiment accroché à ce qu’elle peint, mais j’aime assez ce qu’elle écrit.

J. Brack - First daughter (1955)

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres du peintre australien John Brack (1920-1999), natif de Melbourne et formé dans les années 1940 à la National Gallery School après avoir servi dans l’armée pendant la Seconde Guerre mondiale. Il s’inscrit très vite dans le courant du réalisme moderniste australien, avec une manière sobre, très urbaine et contemporaine.

Il fait partie, aux côtés de Charles Blackman, des frères Arthur et David Boyd, de Robert Dickerson, de John Perceval et de Clifton Pugh, du groupe des Antipodéens, formé pour affirmer l'importance de l'art figuratif en réaction à l'expressionnisme abstrait américain.

J.B. - North Balwyn tram terminus
(1954)

Brack regarde la ville, ses gestes mécaniques, ses décors neutres ; sa palette est souvent éteinte - bruns, beiges, gris, ocres -, et ses compositions rigoureusement construites. Il peint les bureaux, les cafés, les mariages, les files d’attente, avec une précision presque chirurgicale et un humour discret mais mordant, comme l'illustre par exemple son Collins St., 5 p.m.

What I'm interested in in painting is people, of course, principally, how they live, how they behave, how they get the faces they deserve, how they can bear to put up with a life which seems so curiously tragic.

Le vide grenier du dimanche.
Cette larme, qui perle à l'oeil de Saint Jean, c'est un détail de la "Descente de croix", une commande de la confrérie des arbalétriers pour leur chapelle de Louvain, en Belgique.

Peinte vers 1435, elle est l'oeuvre du primitif flamand Rogier van der Weyden (aka Rogier de la Pasture, c.1400-1464), un des trois grands fondateurs de la peinture flamande du 15e siècle avec Jan van Eyck et Robert Campin (dit le Maître de Flémalle) chez qui il entre très jeune en apprentissage.

Cette merveille fait partie des 14 chefs-d'oeuvre du Prado (visibles ICI) numérisés en ultra-haute définition par Google Earth, rendant ainsi formidablement visibles le moindre coup de pinceau et la moindre craquelure.

En miniature aussi (cliquer pour agrandir), pour admirer encore la virtuosité du peintre, les larmes du personnage féminin situé derrière Saint Jean. Il s'agit de Marie Cléophas, demi-soeur de la Vierge.

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ICI

I. C. - Morning mist (1911)

Le vide-grenier du dimanche. Au lendemain de la Journée internationale des droits des femmes, deux clichés de la photographe américaine, et militante féministe, Imogen Cunningham (1883-1976).

Imogen Cunningham reçoit une éducation atypique : son père, libre-penseur, veille lui-même à son instruction jusqu’à ses huit ans, avant qu’elle n’intègre l’école. Après le lycée, en 1903, elle poursuit ses études à l’université de Washington à Seattle, se spécialisant en chimie tout en étudiant la physique, la littérature, l’allemand et le français. C’est au cours de sa deuxième année, inspirée par une amie fascinée par le travail de la portraitiste Gertrude Käsebier, qu’elle découvre la photographie et suit ses premiers cours.

En 1905, elle reçoit son premier appareil photo et, de 1907 à 1909, elle perfectionne son apprentissage auprès du célèbre photographe Edward S. Curtis.

I.C. - The unmade bed (1958)

Beauty in photography is not just about capturing a technically perfect image ; it's about capturing the essence of your subject. It's about telling a story through your pictures.

Le premier cliché témoigne de l'influence qu'ont eue à ses débuts les tenants de la photo-secession, en particulier les pictorialistes, pour qui la photographie doit avant tout être une oeuvre  d'art.

Il s'agit d'un des deux tirages du même autoportrait. Le tirage clair présenté ici est intitulé "Morning mist and sunshine"; le tirage sombre, "In moonlight".

Pied-de-nez ? Dans son second cliché, Imogen Cunningham, la photographe scandaleuse du corps nu, nous donne à voir son absence.

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ICI

G.T. - Femme jouant du théorbe (1658)

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres du peintre de genre néerlandais Gerard Terburgh (1617-1681), dit le Jeune, parfois orthographié Gerard ter Boch. Originaire de Zwolle, il est formé par son père, lui-même artiste, avant de voyager très jeune à travers l'Europe, notamment en Italie, en Espagne et en Angleterre. Terburgh est souvent associé à l'âge d’or de la peinture hollandaise, mais il occupe une place à part, plus discrète que celle d’un Rembrandt ou d’un Vermeer, et pourtant tout aussi subtile.

Il peint les intérieurs bourgeois, les scènes tranquilles de la vie quotidienne, mais avec une retenue particulière : des instants où quelque chose affleure - doute, attente, désir, renoncement...

Gerard Terburgh
Adriaan Pauw arrivant à Munster (1646)

Évidemment j'aime beaucoup ces deux tableaux.

Le premier nous donne à voir une jeune femme qui joue du luth pour son soupirant ; devant elle, un cahier de chansons, un cadeau courant à cette époque entre deux amoureux.

Le second a valeur documentaire : il nous montre l'arrivée à Munster, en 1646, de l'envoyé néerlandais Adriaan Pauw en 1646, dans le cadre des négociations commencées en 1641 et qui aboutiront en janvier 1648, avec le Traité de Münster, à la fin de la guerre de Trente Ans et à la guerre de Quatre-Vingts Ans (aussi appelée Révolte des Pays-Bas).

Anonyme - McAuley Cremorne Mission
Times Square NYC (1985)

Une image et des mots. Conservé à la New York Historical Society, ce cliché fait partie de la collection de Eugene Gordon.

Dieu mort, restent les hommes, écrit Camus dans "L'homme révolté", c'est-à-dire l'histoire qu'il faut comprendre et bâtir.

Pour aller avec cette image, voici quelques lignes de l'écrivain suédois Stig Dagerman.

Je peux reconnaître que la mer et le vent ne manqueront pas de me survivre et que l'éternité se soucie peu de moi. Mais qui me demande de me soucier de l'éternité ?

[....] car à la vérité, il n'existe pour moi qu'une seule consolation qui soit réelle, celle qui me dit que je suis un homme libre, un individu inviolable, un être souverain à l'intérieur de ses limites.

Stig Dagerman, Notre besoin de consolation est impossible à rassasier (1952).

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