M. Dondyuk - Culture de la confrontation (2014)

Le vide-grenier du dimanche. Deux clichés du photojournaliste ukrainien Maxim Dondyuk (b.1983). Connu pour son regard à la fois documentaire et profondément humaniste, Dondyuk s’est imposé sur la scène internationale en témoignant des grands bouleversements contemporains : la révolution de Maïdan (2013-2014), la guerre en Ukraine, ou encore des crises de santé publique comme la tuberculose.

M.D. - Sans titre

Son approche, d’une intensité presque picturale, unit la rigueur du reportage à une sensibilité profondément esthétique ; comme ici au cœur du chaos, il compose des images d’une beauté sombre, où la lumière devient un langage de résistance.

Son projet Culture of the Confrontation, consacré aux affrontements de Maïdan, a été salué dans le monde entier et exposé dans de grandes institutions.

Ses photographies ont paru dans TIME, Der Spiegel, Le Monde, entre autres, et lui ont valu plusieurs distinctions internationales, dont le Prix Pictet. Aujourd’hui, Maxim Dondyuk poursuit son travail en Ukraine, documentant la guerre et les cicatrices qu’elle laisse sur les paysages et les visages de son pays.

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S.Vasylkivsky - Coucher de soleil sur le lac

Une image et des mots. La Russie vient d'attaquer l'Ukraine. Voici une oeuvre de Serhii Vasylkivsky (1854-1917), un peintre ukrainien de la région de Karkhiv. C'est une image de paix ; au loin, le ciel rougeoit, il ne fait pas encore sombre. Les mots sont un extrait d'un des trois Écrits pacifistes (1937) de Jean Giono, celui qui dans Solitude de la pitié disait qu'il désirait écrire un roman dans lequel on entendrait chanter le monde, au lieu de tous ces livres où l'on donne une trop grande place aux êtres mesquins et où l'on néglige de nous faire percevoir le halètement des beaux habitants de l'univers.

Ce qui me dégoûte dans la guerre, c'est son imbécillité. J'aime la vie. Je n'aime même que la vie. C'est beaucoup, mais je comprends qu'on la sacrifie à une cause juste et belle. J'ai soigné des maladies contagieuses et mortelles sans jamais ménager mon don total. À la guerre j'ai peur, j'ai toujours peur. Parce que c'est bête, parce que c'est inutile. Inutile pour moi. Inutile pour le camarade qui est avec moi sur la ligne de tirailleurs. Inutile pour le camarade en face. Inutile pour le camarade qui est à côté du camarade en face dans la ligne de tirailleurs qui s'avance vers moi.

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Joichi Hoshi - Tree blue (1972)

Le vide-grenier du dimanche. Deux gravures sur bois du japonais Joichi Hoshi (1913-1979). Né au nord de l’île de Honshu, il s’installe avec sa famille à Taïwan, alors sous domination japonaise, où il obtient en 1932 un diplôme d’école normale. Rapatrié au Japon en 1946, il découvre la gravure en travaillant dans un atelier d’impression, et se distingue rapidement par ses sérigraphies : dès 1949, il remporte un prix de l’Association japonaise de la gravure, dont il deviendra membre trois ans plus tard.

Il se tourne ensuite vers la gravure sur bois, qu’il étudie à l’université des arts de Musashino, où il est diplômé en 1956. À partir de 1959, il expose à la Biennale internationale de gravure de Tokyo avec des œuvres abstraites relevant du mouvement "Sosaku Hanga", tout en enseignant parallèlement la calligraphie.

Joichi Hoshi - Dawn

Vers 1964, son œuvre prend un tournant : il abandonne l’abstraction pour explorer les étoiles et les constellations, donnant naissance à une série expressionniste de quarante-deux estampes. Quelques années plus tard, il trouve son motif définitif - l’arbre - qu’il décline dans un naturalisme minutieux et raffiné, rehaussé d’or, d’argent et de couleurs vives.

Ces gravures, véritables méditations visuelles, traduisent un respect profond pour la nature et une quête d’équilibre entre silence, lumière et matière.

Hoshi en réalisera 163, soit près de la moitié de toute son œuvre gravée. Aujourd’hui, ses estampes sont présentes dans de nombreuses collections à travers le monde, témoignant de son rôle essentiel dans la gravure japonaise moderne.

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Pirkle Jones - Untitled (1961)

Le vide-grenier du dimanche. Deux clichés du photographe documentaire américain Pirkle Jones (1914-2009). 

Il découvre la photographie à 17 ans avec un Kodak Brownie, puis, après avoir servi dans le Pacifique pendant la Seconde Guerre mondiale, il rejoint le premier cours de photographie de la California School of Fine Arts. Il y étudie auprès de figures majeures comme Ansel Adams (voir avril 2010), dont il sera l’assistant pendant six ans, Dorothea Lange (mars.2013), Edward Weston (jan.2012 et fév.2014), ou encore Minor White (août 2013 et sept.2019).

P.J. - Cowboy, Arizona (1957)

Son œuvre, nourrie d’une profonde sensibilité sociale, combine la rigueur formelle d’Adams et l’engagement humain de Lange. Parmi ses séries les plus marquantes, Death of a Valley (1956), réalisée avec Dorothea Lange, documente la disparition d’une communauté de la Napa Valley lors de la construction du barrage de Monticello, soulignant le coût humain et écologique du progrès industriel. Jones évoquera ce projet comme « l’une des expériences photographiques les plus significatives de sa vie ».

De son travail, que Bruce Weber comparait à l'écriture de John Steinbeck, Ansel Adams dira aussi ceci : sa photographie n'est pas flamboyante, elle ne repose pas sur des stimuli superficiels.  Pirkle Jones est un artiste au meilleur sens du terme ; ce qu'il exprime est autant en résonance avec le monde extérieur qu'avec sa propre humanité.

A.H. Thayer - Angel (1887)

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres de l'américain Abbott Handerson Thayer (1949-1921), élève pendant quatre ans de Jean-Léon Gérôme à l'École des Beaux-Arts de Paris.

La seule chose qui nous manque sont des anges, écrit Henri Miller (directement en français), dans son petit livre J'suis pas plus con qu'un autre (1980). Dans ce vaste monde il n'y a pas de place pour eux. D'ailleurs, est-ce que nous avons des yeux pour les reconnaître ? Peut-être que nous sommes entourés par les anges sans le savoir...

A.H.T. - Roseate spoonbills (c.1905)

Thayer aime les animaux et les anges, il peint les créatures délusoires du ciel et de la terre... Et il est, avec son fils Gerald, l'auteur d'un livre sur le camouflage dans le monde animal, publié en 1909.

Sans aucun doute, ma passion de toujours pour les oiseaux m'a poussé à intégrer des ailes dans mes tableaux.

Mais j'ai surtout représenté des ailes probablement plus pour symboliser une atmosphère exaltée (au-delà du domaine de la peinture de genre) où l'on n'a pas besoin d'expliquer l'action des personnages.

Bert Hardy - The Gorbals, Glasgow (1948)

Une image et des mots.

Ce cliché fait partie de la très belle série documentaire que le photographe anglais Albert Hardy (voir février 2016) a consacrée en janvier 1948 aux Gorbals, un quartier misérable et populeux de Glasgow. Ce quartier dont l'histoire remonte au moins au 13e siècle était à l'origine un petit village près d'un pont sur la rivière Clyde.

Au 19e siècle, il était fortement industrialisé et attirait une population diverse, y compris de nombreux réfugiés juifs fuyant les persécutions en Europe de l'Est​.

Les mots pour aller avec sont extraits du Traité de la réforme de l'entendement (1662), de Spinoza.

Quand l'expérience m'eut appris que tous les événements ordinaires de la vie sont vains et futiles, voyant que tout ce qui était pour moi cause ou objet de crainte ne contenait rien de bon ni de mauvais en soi, mais dans la seule mesure où l'âme en était émue, je me décidai en fin de compte à rechercher s'il n'existait pas un bien véritable et qui pût se communiquer, quelque chose enfin dont la découverte et l'acquisition me procureraient pour l'éternité la jouissance d'une joie suprême et incessante.

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