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Albert Fié - Le bal du 14 juillet 44

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres d'Albert Fié (1923-2017), grande figure de la Résistance et dessinateur. Plus de 130 de ses dessins, légendés par l'auteur et dans lesquels il documente la vie de son bataillon de maquisards, ont été sélectionnés et publiés par la maison d'édition Mémoire de la Drôme sous le titre Scènes de vie, scènes de résistance.

A.F. - Jaillans, 1944.

Le marin sur cette gouache est là pour rappeler que Paul Pons, le commandant de sa compagnie, était officier de marine marchande.

Le second dessin nous montre un groupe d'hommes de la compagnie Pons réunis au matin du 21 juillet 44 devant la fontaine de Jaillans avant d'aller prendre position. Douze d'entre eux perdront la vie ce jour là.

Lewis Hine - Johnnie and the shucking-boss (1911)

Le vide-grenier du dimanche. Le colorisateur anglais Tom Marshall (ICI) a restauré et colorisé dix clichés de Lewis Wickes Hine (1874-1940), un des pionniers de la photographie sociale aux États-Unis. 

Convaincu que l’image peut éveiller les consciences, il l’utilise très tôt comme un outil de réforme. Formé à la sociologie, il documente avec rigueur les conditions de vie des immigrants à Ellis Island, puis les réalités souvent brutales du monde ouvrier.

Lewis Hine - Garment workers (1910)

Dans les années 1910, son travail pour le National Child Labor Committee le conduit à parcourir le pays pour dénoncer l’exploitation des enfants. 

Il photographie, souvent au péril de sa sécurité, les petites mains de l’industrie textile, des mines ou de la pêche. “There is work that profits children, and there is work that brings profit only to employers.” Johnnie, petit écailler de Louisiane, a 9 ans en 1911 ; les jeunes ouvrières du textile, âgées de 5 à 12 ans, ont été photographiées à New York le 26 janvier 1910. Ces images contribueront à faire évoluer la législation sur le travail des enfants.

Mais Lewis Hine ne se limite pas à la dénonciation : il célèbre aussi la dignité du labeur, notamment dans ses célèbres clichés des ouvriers sur le vertigineux chantier de l’Empire State Building. Son regard, à la fois empathique et rigoureux, conjugue engagement social et exigence esthétique. Si je pouvais raconter l’histoire en mots, je n’aurais pas besoin de traîner un appareil photo.

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Meretseger (Nouvel Empire) 

Une image et des mots. Une représentation de la déesse Meretseger, (ou Mertseger) "celle qui aime le silence", sur cette stèle en calcaire conservée au Louvre, ou encore sur cet ostracon conservé au Musée du Caire.

La déesse cobra Meretseger était la gardienne de la Vallée des Rois et de la vaste nécropole thébaine située sur la rive ouest du Nil, en face de Louxor, et classée aujourd'hui au patrimoine mondial de l'humanité. Son culte est rattaché à la période faste du Nouvel Empire, entre les 16e et 11e av. J -C.; elle était la protectrice du village de Deir el-Médineh, où vivaient les artisans chargés de la construction des temples et des tombeaux des pharaons.

Meretseger

Pour aller avec, j'ai pensé à ce texte du poète palestinien Mahmoud Darwich (1942-2008),  Le grondement du silence (in La trace du papillon, Actes Sud)

"J'écoute le silence. Existe-t-il? Si, oubliant son nom, nous tendions l'oreille, nous entendrions les voix des âmes errantes dans les airs et les cris de ceux qui ont trouvé le chemin des premières cavernes. Le silence est une voix qui s'est évaporée, cachée dans le vent et brisée en échos conservés dans des jarres cosmiques. Si nous tendions l'oreille, nous entendrions le heurt de la pomme tombant sur une pierre dans le jardin d'Eden, le cri d'Abel effrayé par le premier sang répandu, le premier gémissement de désir entre un mâle et une femelle désemparés, nous entendrions les méditations de Jonas dans le ventre de la baleine et les négociations secrètes entre les dieux anciens. Si nous tendions l'oreille derrière le voile du silence, nous entendrions les conversations nocturnes entre les prophètes et leurs épouses, les premières cadences de la poésie, la plainte des empereurs qui s'ennuient, le martèlement des sabots des chevaux dans une guerre aux date et lieu inconnus, la musique du rituel sacré de la prostitution, les pleurs de Gilgamesh sur son ami Enkidu, la perplexité du singe après qu'il eut sauté de l'arbre sur le trône de la tribu et les insultes échangées entre Sarah et Hagar. Si nous tendions l'oreille à la voix du silence, nos paroles se feraient plus rares!"

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A. Carte - Marins regardant la mer
(1923)

Le vide-grenier du dimanche. Deux oeuvres du belge Antoine Carte (1886-1954), déjà présenté en septembre 2012.

Né dans une famille d’artisans, il baigne dès l’enfance dans l’univers du travail bien fait. Son père, maître ébéniste, lui transmet le goût et le respect des matériaux nobles, une rigueur artisanale qui imprégnera toute son œuvre.

En 1897, il intègre l'Académie de Mons où il apprend la peinture et les techniques décoratives, tout en développant ses talents de dessinateur.

En raison de contraintes financières, il doit poursuivre ses études en soirée et travaille comme apprenti chez un peintre-décorateur.

A. Carte - Le pain (1921)

À l’Académie, il se lie d’amitié avec Louis Buisseret (de qui j'aime beaucoup les portraits), qui jouera un rôle clé dans sa carrière, en l’encourageant à exposer ses œuvres.

Après un passage à l’Académie des Beaux-Arts de Bruxelles, où il est influencé par les symbolistes comme Jean Delville, Anto Carte puise dans les poèmes d’Émile Verhaeren une source d’inspiration intense. Ses premières œuvres sont marquées par une atmosphère poétique, entre mysticisme et allégorie.

Entre 1910 et 1913, grâce à une bourse, il découvre l’avant-garde parisienne et se familiarise avec les arts de la scène, notamment les décors des Ballets Russes. Cependant, son style reste profondément marqué par une quête de simplicité et d’humanisme.

Après la Grande Guerre, son travail gagne en reconnaissance : il illustre des textes littéraires, expose en Belgique et aux États-Unis, et séduit un public international.

En 1928, il cofonde avec Buisseret et Léon Eeckman le groupe Nervia, un collectif d’artistes wallons défendant un art figuratif, accessible, souvent empreint de symbolisme ; une réponse au bouillonnement expressionniste flamand. Anto Carte, artiste rigoureux et respecté, a produit une œuvre à la fois monumentale et intime, traversée par la spiritualité, la sensibilité sociale et le quotidien. : Le Pain, ci-dessus, empreint d’une grande sensibilité spirituelle, en est une bonne illustration.